Ausstellung „Charles Frederick Worth – Die Erfindung der Haute Couture“ im Petit Palais. Ein Beitrag von Eleonora de Gray, Chefredakteurin von RUNWAY MAGAZIN. Foto mit freundlicher Genehmigung: Petit Palais Palais / Paris Musees.

Die Ausstellung WORTH – Die Erfindung der Haute Couturepräsentiert auf der Petit Palais in Paris Vom 7. Mai bis 7. September 2025 ist die Ausstellung nicht nur die erste große Retrospektive, die dem House of Worth gewidmet ist, sondern auch eine seltene Geste historischer Klarheit. Mit über 400 Stücke, einschließlich Kleidern, Accessoires, Kunstwerken und Archivmaterial, entfaltet es sich als akribisches Porträt des Mannes, der nicht nur Kleider entworfen hat – er hat das moderne Modesystem selbst entworfen.

Die Ausstellung entfaltet sich chronologisch in den großen Galerien des Petit Palais. Die Szenografie ist zurückhaltend und zugleich hochintelligent. Die ersten Abschnitte sind den Gründerjahren gewidmet: den architektonischen Krinolinen, den geschäftigen Silhouetten, der aufwendigen Posamentenarbeit. Tages- und Teekleider werden neben Abendkleidern, Opernmänteln und Mänteln präsentiert und bieten einen umfassenden Einblick in die Alltagsgarderobe des Zweiten Kaiserreichs und der Belle Époque.

Die Modegeschichte bevorzugt oft das Bequeme. Doch wenn es einen unbestreitbaren Ursprung der Haute Couture, wie wir sie heute verstehen – saisonale Kollektionen, signierte Kleidungsstücke, Showrooms, internationale Kundschaft – gibt, dann beginnt er mit Worth. Das ist kein Mythos. Es ist Struktur, Unternehmergeist und Vermächtnis. Und all das ist jetzt zum ersten und einzigen Mal in der Stadt zu sehen, in der alles begann.

DAS HAUS, DAS EINE BRANCHE DEFINIERTE

Charles Frederick Worth kam 1846 nach Paris und wuchs schnell aus der Rolle eines Textilkaufmanns heraus. Bis 1858 hatte er Worth & Bobergh in der Rue de la Paix 7, einem Ort, der zum Synonym für den Aufstieg des Pariser Modeimperiums werden sollte. Zu seinen ersten Kunden zählten Prinzessin Pauline von Metternich, Ehefrau des österreichischen Botschafters in Frankreich, und Kaiserin Eugenie, dessen Loyalität gegenüber Worth dazu beitrug, ihm einen Platz im Epizentrum des imperialen Stils zu sichern.

Doch sein Beitrag beschränkte sich nicht nur auf Schnitte oder Verzierungen. Worth war der Erste, der das Machtgleichgewicht zwischen Designer und Kunde umkehrte. Der Couturier war nicht länger eine passive Schneiderin, die auf Anweisungen reagierte, sondern wurde zu einer kreativen Autorität. Er schuf Saisonale Kollektionen, präsentierte seine Entwürfe an lebenden Modellen und brach mit der Tradition. unterschrieb seinen Namen auf den Etiketten. Das Kleid wurde zum Statement der Urheberschaft. Der Kunde wurde zum Träger seiner Vision.

EIN VERMÄCHTNIS IN BEWEGUNG

Die Charles Frederick Worth-Ausstellung folgt einer chronologischen Erzählung, die mit den strukturierten Silhouetten des Zweiten Kaiserreichs beginnt und sich bis zu den sanfteren Linien der 1920er Jahre fortsetzt. Die ausgestellten Kleidungsstücke – Teekleider, Opernumhänge, Spazieranzüge, Hofkleider – zeugen von Innovation und Kontrolle zugleich. Worths Obsession für Stoffe, Verzierungen und historische Bezüge war allgegenwärtig. Spitze, Seide, Stickereien, Posamenten – das waren keine dekorativen, sondern architektonischen Entscheidungen.

Der Übergang von der Krinoline zur Tournüre wird in außergewöhnlichen Stücken aus den 1860er und 1870er Jahren veranschaulicht. Tournürenkleider aus Faille und Brokat mit kaskadenartigen Fransenlagen und Perlenstickereien verkörpern Worths Idee von Volumen – nicht als Gewicht, sondern als Rhythmus.

Ein ganzer Abschnitt ist dem Konzept der komplette Garderobe– die Vision einer Frau, die vom Morgentee bis zur Abendgala gekleidet ist, jede ihrer Bewegungen durch das Kleid choreografiert. Ein weiterer Bereich bietet Einblicke in die Abläufe der Rue de la Paix: Werkstätten, Personalkantinen, Schnittmusterschneider, Packer und sogar das hauseigene Fotostudio, das jedes Kleidungsstück dokumentierte, um Fälschungen zu verhindern.

KUNDEN, DIE DAS BILD PRÄGEN

Worths Klientel liest sich wie eine diplomatische Gästeliste: italienische Aristokraten, britische Herzoginnen, amerikanische Erbinnen. Zu den berühmtesten gehörten Gräfin Greffulhe, Franca Florio, Lady Curzon und Kaiserin Elisabeth von Österreich (vielen als Sissi bekannt). Ihre Kleider – restauriert für diese Ausstellung – sind mehr als nur Mode; sie sind historisches Theater.

Eines der auffälligsten ist das „Robe aux Lys”, ein schwarzes Abendkleid aus Samt mit elfenbeinfarbenen Satinlilien und goldener Stickerei, getragen von Gräfin Greffulhe, deren Persönlichkeit berühmt dafür war Marcel Prousts Duchesse de GuermantesEin weiteres Highlight ist die Byzantinisches Kleid, getragen zur Hochzeit ihrer Tochter im Jahr 1904 – ein Meisterwerk der Symbolik und des Status, überzogen mit Perlen, Goldfäden und Ehrfurcht.

RESTAURIERUNG UND DIALOG: DIE CHANEL-VERBINDUNG

Ein bedeutender Teil dieser Charles Frederick Worth Ausstellung verdankt seinen Zustand der Restaurierungsateliers von CHANEL, die auch als Hauptsponsor der Veranstaltung fungieren. Die Zusammenarbeit ist mehr als nur finanzieller Natur. Sie ist konzeptioneller Natur.

CHANEL – noch immer das älteste Haute-Couture-Haus in Paris – erkennt Worth nicht nur als Vorgängerin, sondern als strukturelle Vorläuferin an. Während Gabrielle Chanel das Korsett ablegte und den Minimalismus auf eine höhere Ebene hob, übernahm sie zugleich Worths Geschäftsmodell: eine Couturierin, die Image, Kundschaft und Erbe kontrolliert. Die Ausstellung spiegelt diese Verbindung nicht durch große Statements, sondern durch stille technische Exzellenz wider. Restaurierungsarbeiten durch CHANELs Spezialisten brachten viele dieser fragilen Stücke in einen vorzeigbaren Zustand zurück und stellten sicher, dass die Kleidungsstücke wieder den Raum einnehmen konnten, für den sie entworfen wurden.

JENSEITS DES MYTHOS

Vielleicht am bemerkenswertesten: WORTH – Die Erfindung der Haute Couture findet nur statt in ParisViele der Werke sind Leihgaben von Privatsammlungen, und die Ausstellungsbedingungen sind absolut: Es wird keine Tournee geben. Es wird keine Wiederholung in London oder New York geben. Wer verstehen will, wie Mode zur Industrie wurde – und wie Couture zur Institution –, muss in die Stadt kommen, in der es geschah.

Es gibt keine virtuelle Alternative. Nein digital Ersatz. Nur Seide, Samt, Spitze und Struktur – ausgestellt in einem Beaux-Arts-Gebäude, in dem einst die Weltausstellung 1900 stattfand.

Das allein ist schon ein Akt stillen Widerstands. Im Zeitalter der Virtualisierung Wert bleibt greifbar.
Und das ist vielleicht die modernste Geste überhaupt.