Von der Couture zur Kultur: Die Moderevolution der 1960er Jahre. Ein Beitrag von Guillaumette Duplaix, Chefredakteurin von RUNWAY ZEITSCHRIFT.
Mode in den 1960er Jahren
Die Mode der 1960er Jahre markierte eine völlige Umkehrung etablierter Normen. Die einst unerschütterliche Herrschaft der Haute Couture wurde von der Ready-to-Wear abgelöst, die von einer jüngeren Generation getragen wurde, die sowohl zur Muse als auch zum Endkunden wurde.
Paris, die unbestrittene Modehauptstadt, musste ihren Thron an „Swinging London“ abgeben. London wurde zum pulsierenden Herzen der Trends, angetrieben von der Popmusik und den von ihr inspirierten kulturellen Verhaltensweisen.
Bald erlebte Frankreich den Aufstieg seiner eigenen „Yéyé“-Kultur.
Die Space-Age-Ästhetik von Courrèges und der Minirock wurden zu Symbolen dieser Ära. Synthetische Materialien, populär gemacht durch Pierre Cardin und Paco Rabanne, rückten ins Rampenlicht.
Kurioserweise blieben die USA trotz des starken britischen Einflusses in Sachen Mode weitgehend konservativ – abgesehen von einigen Trends, die aus New York und Los Angeles kamen.
Eines ist sicher: Der Bruch mit den 1950er Jahren war radikal.
Geschichte
Seit Christian Diors New Look von 1947 erlebte die Haute Couture ein goldenes Zeitalter. Balenciaga und Givenchy dominierten. Die 1950er Jahre waren geprägt von einer relativ einheitlichen Modelandschaft, die weltweit von der Pariser Couture dominiert wurde – sei es durch ihre Allgegenwärtigkeit in Zeitschriften oder durch unzählige legale und illegale Kopien. Sie setzte den globalen Standard.
Maßgeschneiderte Couture und industrielle Schneiderei – die Vorläufer der luxuriösen Konfektionskleidung – wurden in Kaufhäusern vertrieben und entweder in Fabriken oder von erfahrenen Handwerkern hergestellt. Alltagskleidung wurde oft zu Hause oder von Schneiderinnen aus der Nachbarschaft gefertigt.
Der breitere gesellschaftliche Kontext blieb konservativ. Die Frauenbefreiungsbewegung hatte noch nicht richtig begonnen, obwohl die Nachkriegsengpässe allmählich nachließen.
Haute Couture begann in den 1960er-Jahren bei der aufstrebenden Mittelschicht an Beliebtheit zu verlieren. Sie galt als zu teuer und zu elitär. Modehäuser und Kaufhäuser hatten Mühe, den Wandel in der Modehierarchie zu begreifen.
Die steifen, korsettartigen Silhouetten wichen verspielten neuen Formen. Industrialisierte amerikanische Produktionsmethoden überschwemmten den Markt mit erschwinglicher, massenproduzierter Mode.
Der Aufstieg der Konfektionsmode
In den späten 1950er Jahren zwangen die hohen Kosten und die geringe Rentabilität der Haute Couture die Modehäuser zur Diversifizierung – insbesondere durch die Ansprache einer jüngeren Kundschaft und den Kampf gegen die Flut an Kopien. Viele Couturiers schufen Nebenlinien mit „Modellen, die ohne Anproben gefertigt werden konnten“. Einige der luxuriösesten Linien übernahmen den Namen des Designers, oft gepaart mit dem Wort „Boutique“, was sowohl eine neue Identität als auch eine Schaufensterpräsenz suggerierte – eine Praxis, die der traditionellen Couture fremd war.
Fast alle Star-Modeschöpfer passten sich dem Trend an. Die Luxuslinien wichen allmählich erschwinglicheren Kollektionen – eine Bewegung, die die Modeschöpfer „Grande Diffusion“ nannten.
Parallel zu dieser Demokratisierung der Mode entstanden zahlreiche neue Marken im Markt für Luxus-Konfektionskleidung. Eine neue Designergeneration revolutionierte die alte Ordnung und prägte die Modelandschaft im Einklang mit dem steigenden Lebensstandard. Kleidung wandelte sich vom rein funktionalen zum Konsumprodukt. Praktisch, modern und erschwinglich – Konfektionskleidung eroberte große Marktanteile.
Bis dahin hatte die Vorherrschaft der Haute Couture eine Pyramidenstruktur geschaffen: vom Schöpfer über die Massenproduktion bis hin zur Schneiderin vor Ort. Dies führte zu nahezu einheitlichen saisonalen Stilen. Doch diese Struktur wich einer Vielzahl von Trends. Der Einkauf in Kaufhäusern wurde durch die Boutique-Kultur ersetzt.
Die Kinder der Babyboom-Generation wurden erwachsen und lehnten den Stil ihrer Eltern ab. Sie waren im Geiste unabhängig und nahmen Konfektionskleidung als ihre eigene an. Mode kam nicht mehr von der Elite – sie kam von der Straße und legte die Last der Vergangenheit ab.
Traditionelle Schönheitsideale wurden über den Haufen geworfen. Junge Frauen wollten ihren Müttern nicht mehr ähneln. Mode symbolisierte nicht mehr eine Nation, eine soziale Schicht oder eine Generation. Stattdessen verkörperte sie Altersgruppen, kulturelle Strömungen, Ideologien, Musikgeschmack und Verhaltensweisen. Erwachsene begannen sogar, die Jugend zu kopieren.
Die Mode wurde international und zeitweise vereinheitlicht – symbolisiert durch die Unisex-Verbreitung von Jeans auf der ganzen Welt.
A Media Revolution
Visuelle Kultur, Kommunikation und Information explodierten und beschleunigten die Globalisierung der Mode.
Neue Models mit androgynem Aussehen erschienen in Zeitschriften und wurden zu Ikonen. In den USA entwickelte sich Diana Vreeland zu einer einflussreichen Vermittlerin neuer Trends. Modemagazine wurden zum Spiegel des gesellschaftlichen Wandels und der sich wandelnden Rolle der Frau.
Die ersten „Style-Büros“ entstanden – mit der Aufgabe, Modetrends zu analysieren und Hersteller, Einzelhändler und sogar Zeitschriften zu beraten.
Die Produktion, die einst in der Nähe der Werkstatt des Designers stattfand, wurde zunehmend ausgelagert, wodurch der kreative Prozess externen Einflüssen ausgesetzt wurde.
Synthetische Stoffe verdrängten natürliche Stoffe und drückten die Preise. Strumpfhosen wurden in Massenproduktion hergestellt und ersetzten Strumpfbänder und Hüfthalter. Korsett-Silhouetten verschwanden zugunsten gewagter, bequemer Looks: flache Schuhe oder ganz ohne Dessous. Die Silhouette veränderte sich seit Beginn des Jahrzehnts dramatisch.
Miniröcke kamen aus England, die Saumlängen wurden länger und Overknee-Stiefel wurden zu einem festen Bestandteil der Garderobe.
Für Männer blieb der formelle Anzug mit Krawatte unverzichtbar – idealerweise italienisch, wobei Neapel, Mailand und Rom stilprägend waren. Der Anzug wurde zeitweise durch eine freiere, gelegentlich adrette Ästhetik ersetzt, doch der Preisrückgang läutete eine Ära ständiger Garderobenerneuerung ein. Kleidung wurde zum Wegwerfartikel.
Die schwankende Vorherrschaft Englands
Mary Quant eröffnete 1955 in Chelsea das Bazaar – ein Boutique-Café, das zu einem kulturellen Zentrum und Epizentrum des Swinging London wurde.
Obwohl der Minirock zwischen den Weltkriegen im Showbusiness aufkam, war es Mary Quant, die ihn in den 1960er Jahren populär machte. Ihr Label war ein rebellisches Statement gegen die elterliche Mode. Sie schuf mehr als nur einen Look, sie schuf einen Lebensstil – den ersten Concept Store, der Make-up, Schreibwaren, Wohndeko und sogar Geschirr anbot, oft mit ihrem ikonischen Gänseblümchen-Logo versehen.
Dank der Models Twiggy und Jean Shrimpton verbreitete sich der Londoner Look in ganz Europa und erreichte die Vereinigten Staaten.
London war führend. John Stephen, eine Schlüsselfigur der 60er-Jahre-Mode, kleidete die Mods aus seiner Boutique „His Clothes“ ein: taillierte Hemden, schmale Krawatten oder Rollkragenpullover, enge Hosen oder Anzüge im italienischen Stil. Obwohl sie zahlenmäßig gering und größtenteils britisch waren, setzten die Modernisten weltweit maskuline Trends.
Ossie Clark prägte die britische Damenmode, während John Bates Emma Peel in der Kultserie einkleidete Die Rächer.
Musik und Media
Transistorradios verbreiteten sich, und es gab Sendungen speziell für Frauen und Jugendliche. Britische Musik, die großen Einfluss auf den Stil hatte, läutete die Swinging Sixties ein: Die Rolling Stones prägten die Herrenmode, ebenso wie die Beatles und The Who.
In Frankreich hatte die Yéyé-Musik großen Einfluss. Sylvie Vartan, Françoise Hardy und Sheila wurden zu Modeikonen und wurden in Zeitschriften wie Mademoiselle Âge Tendre und Hallo FreundeDie Verbindung zwischen Musik und Mode wurde stärker.
Auch im Kino spiegelte sich dieser Wandel wider. Nach ihrem Debüt bei Godard beeinflusste die amerikanische Schauspielerin Jean Seberg die französische Mode mit ihrem Pixie-Cut, engen Hosen, übergroßen Sonnenbrillen und Ballerinas.
Sie wurde zusammen mit Jeanne Moreau zu einem Symbol der Nouvelle Vague und trug oft Pierre Cardin.
Andere Schauspielerinnen inspirierten globale Trends – wie Faye Dunaways Baskenmütze, knielanger Rock und Mantel in Bonnie und ClydeDer Look erfreute sich großer Beliebtheit und läutete sogar den Niedergang des Minirocks ein.
Am Ende des Jahrzehnts symbolisierte Woodstock den Aufstieg der Hippie-Kultur und das Verschwinden des Yéyé-Geistes.
Französische Designer und die neue Rolle der Couture
Obwohl Frankreich seinen Titel als Modehauptstadt verlor, sorgten viele Designer dafür, dass Paris lebendig und innovativ blieb. Die Haute Couture entwickelte sich allmählich zu ihrer heutigen Rolle: einem Labor der Ideen und Kreativität, das französisches Prestige ausstrahlte und gleichzeitig in zugänglichere Linien umgesetzt wurde, um die Häuser zu finanzieren.
Die Ära zwang die Veteranen, sich anzupassen.
André Courrèges gründete sein Modehaus 1961 und war damit voll und ganz auf die Jugendrevolution eingestellt. Seine von Weiß dominierten Shows zeigten junge Models springend oder tanzend – ein neues Konzept. Er machte den Minirock in Frankreich populär und führte Kleidung aus Metall und PVC ein, um die gesamte Bandbreite der neu verfügbaren Materialien zu präsentieren.
Während Juri Gagarin die Erde umkreiste, ließ sich Courrèges vom Weltraum inspirieren. Er wurde als Designer des „Weltraumzeitalters“ bezeichnet. Pierre Cardin und Paco Rabanne folgten seinem Beispiel und setzten auf futuristische Ästhetik und synthetische Textilien.
Im Gegensatz dazu gründete Yves Saint Laurent, der bei Dior ausgebildet wurde, 1962 sein eigenes Haus. Er wollte die Mode demokratisieren und schuf Saint Laurent Linke Bank mit unabhängigen Kollektionen. „Meine wahre Zielgruppe sind junge, berufstätige Frauen“, erklärte er. Obwohl Frauen gesetzlich noch immer keine Hosen tragen durften, entwarf er den ersten Smoking für sie.
Pierre Bergé drückte es so aus: „Oft heißt es, Chanel habe die Frauen befreit, und das stimmt. Jahre später gab Saint Laurent ihnen Macht.“
Fazit
Paris blieb prestigeträchtig und wechselte zwischen innovativer Konfektionsmode und elitärer Couture. Doch die 1960er Jahre markierten eine neue globale Ordnung in der westlichen Mode. Die Vereinigten Staaten und England wurden zu dominierenden Einflüssen. Fortschritte in Kommunikation und Vertrieb – begünstigt durch den Wirtschaftsboom der „Glorreichen Dreißig“ – bedeuteten, dass Mode nicht länger regional begrenzt war.
Globale Vertriebsnetze beschleunigten die Innovation und Erneuerung der Bekleidungsindustrie. Gegen Ende des Jahrzehnts verschwanden einige Trends, während andere wieder aufkamen. Die Hippie-Welle erfasste die westliche Welt und drückte eine Ablehnung materialistischer Mode aus, die auf synthetischen Massenprodukten basierte.
Bei der Betrachtung der Mode der 60er Jahre stellen wir einen ewigen Kreislauf der Neuerfindung fest.
