Schiaparelli Herbst-Winter 2025-2026 Haute Couture „Crow B oder Backward Drift“. Rezension von Eleonora de Gray, Chefredakteurin von RUNWAY MAGAZIN. Foto/Video mit freundlicher Genehmigung von Schiaparelli.

Haute Couture leiht sich nichts. Sie erinnert sich – bewusst, präzise oder gar nicht. Referenzen sind eine heikle Angelegenheit. Die Vergangenheit zu zitieren ist ein Statement; sie zu wiederholen ist Resignation. Bei der heutigen Präsentation von Schiaparellis Herbst-Winter-Kollektion 2025-2026 bot Daniel Roseberry weder eine Retrospektive noch eine Vision – sondern etwas, das dazwischen gefangen ist: eine Rückwärtsdrift als Futurismus getarnt, und eine Krähe, die die Ironie ihrer Rolle vielleicht verstanden hat, vielleicht aber auch nicht.

Das Haus nannte die Show „Zurück in die Zukunft“. Aber was geschah auf der runway war weniger eine Zeitreise als vielmehr eine Umkehrung der Logik. Ein Katalog von Anklängen – Kleidungsstücke, Stickereien, Formen –, die direkt oder geringfügig überarbeitet aus Roseberrys früheren und gelegentlich auch anderen Kollektionen stammen und so präsentiert wurden, als könne allein die Erinnerung als Innovation gelten.

Der nicht angekündigte, sondern inszenierte Abschied

Wurde Daniel Roseberry gerade gefeuert?

Normalerweise beginnt man eine Couture-Show nicht mit einer Abschiedsrede – es sei denn, die Show selbst ist ein Rücktrittsschreiben. Und doch eröffnete genau damit Schiaparellis Herbst-Winter-Präsentation 2025/2026. In einem seltsam persönlichen Prolog erinnerte Roseberry an den Sommer 1940, als Elsa Schiaparelli aus dem kriegszerrütteten Paris floh und ein Schiff nach New York bestieg.Im Juni 1940 verließ Elsa Schiaparelli Paris, ihre geliebte und mittlerweile zu ihrer Heimat gewordene Stadt, und bestieg ein Schiff nach New York. Es markierte das Ende eines Jahrzehnts, aber auch das Ende einer revolutionären Ära in der Mode.”, schrieb er feierlich.

Sollen wir Parallelen ziehen? Sollten wir uns auf seine eigene transatlantische Reise – vom Place Vendôme zurück nach Manhattan – vorbereiten und dabei die starke Andeutung machen, dass die Haute Couture selbst still und leise dasselbe Schiff besteigen könnte? Es ist sicherlich eine große Geste. Aber vergessen wir nicht: Das Einzige, was noch theatralischer war als diese Kollektion, war ihr Subtext.

Es gibt das Ego, und dann gibt es eine Show rund um den eigenen hypothetischen Abgang gestalten, mit der impliziten Botschaft, dass eine ganze kreative Ära in Paris zu Ende geht, weil Sie beschlossen haben, Ihre Koffer zu packen. Oder weil jemand anderes das für Sie entschieden hat.

Das könnte die Entscheidung erklären, alte Truhen wieder zu öffnen. Anstatt einen letzten „Kreativschub“ zu bieten, entschied sich Roseberry, vergangene Gesten wieder aufzugreifen – manche davon waren gar nicht vergangen, sondern einfach nur unverkäuflich.

Und wenn wir schon von unverkauft sprechen – die Apollo-Umhang, einst getragen als grandioses Statement der Frontalstickerei in Sommer 2022, zurück, diesmal rückwärts. Ja, im wahrsten Sinne des Wortes. Die kunstvoll verzierte Juwelenstickerei, einst zentral und bewusst platziert, zog sich nun wie ein nachträglicher Einfall über die Rückseite. War das als konzeptionelle Umkehrung gedacht – oder einfach nur der wörtlichste Ausdruck dafür, dass es nichts mehr hinzuzufügen gibt?

Die Krähe und der Cardi-Effekt

Beginnen wir mit Cardi B – eine Erscheinung, die eher Schlagzeilen als Ideen generieren sollte. Gehüllt in ein skulpturales Stück einer früheren Schiaparelli-Couture-Show, komplett mit bergigen Kurven und einer bedrohlichen Krähe an ihrer Hand, wirkte ihre Präsenz symbolisch – wenn auch ungewollt. War sie eine Metapher für kreative Erschöpfung? Ein in Samt gehüllter Unheilsbote? Man könnte die gesamte Kollektion als eine Fortsetzung ebendieses Looks interpretieren: schwer, theatralisch und ohne neues Leben.

Der Herzschlag einer hohlen Zukunft

Die Show begann mit einem Spektakel – nicht von Eleganz, sondern von Besorgnis. Ein mechanisiertes, anatomisch korrektes menschliches Herz, eingefasst in Juwelen, pulsierte mit rhythmischer Präzision. Es war nicht symbolisch. Es war nicht poetisch. Es war klinisch.

Man hätte eine kultivierte Geste der Intimität erwartet – vielleicht ein Anspielung auf Emotionen. Stattdessen wurde das Publikum von etwas begrüßt, das eine Mischung aus Kardiologiediagramm und Horrorfilm-Requisite war. Eingebettet in ein schwarzes Kleid, schwer und buchstäblich, pochte dieses riesige Organ auf der Brust wie eine tragbare Obduktion. An anderer Stelle tauchte dasselbe Herz wieder auf – diesmal auf der Rückseite, pumpend, als hätte die Couture ihr eigenes Leben nach dem Tod begonnen.

Der Surrealismus verliert, wenn er auf die Mechanik reduziert wird, seinen Surrealismus. Zurück bleibt Unbehagen – und ein leicht mulmiges Gefühl fehlgeleiteten Ehrgeizes.

Rückständige Körper und verletzte Formen

Das pulsierende Herz erschreckte das Publikum, doch was folgte, ließ die Grenze zwischen Verwirrung und Parodie verschwimmen: Ein rotes Kleid – in der Farbe übertrieben, bewusst geformt – kam verkehrt herum an.

Die Rückseite des Kleides zeigte geformte weibliche Brüste und einen hervorstehenden Bauch, als wäre der weibliche Körper irrtümlich umgedreht und wieder angenäht worden. War dies ein Kommentar zum Geschlecht? Zur Dualität? Zur Zerrüttung? Vielleicht. Doch nichts davon war klar – nur die groteske, wörtliche Form, die sich in die falsche Richtung faltete.

Es besteht ein Unterschied zwischen der Infragestellung der Wahrnehmung und der Verstümmelung von Proportionen. Das war kein Surrealismus. Es war nicht einmal Provokation. Es war Verzerrung ohne Tiefe – ein Rückblick, getarnt als konzeptioneller Gedanke.

Eine Palette der Abwesenheit

In einem seltenen Moment der Klarheit beschrieb Roseberry diese Kollektion als „farblos und bar jeglicher Modernität“. Zumindest stimmte das. Die in Schwarzweiß, Grautönen und Rot gehaltene Show bot eine visuelle Leere, die mit historischen Anspielungen – Matadorjacken, korsettlosen Kleidern, Donegal-Wolle – verkleidet war, und bezeichnete sie als futuristisch.

Doch das Abstreifen neuer Ideen bringt nicht das Wesentliche ans Licht. Es offenbart Lücken. Mode muss sich wie Sprache weiterentwickeln, um relevant zu bleiben. Wiederholung – selbst wenn sie ausgefeilt ist – darf nicht als Offenbarung getarnt sein.

Post-Future, Pre-Idea

„Ich schlage eine Welt ohne Bildschirme, ohne KI, ohne Technologie vor“, sagte Roseberry. „Eine alte Welt … aber eine post-futuristische.“
Es ist eine ambitionierte Idee. Aber wie heißt es so schön: Die Karte ist nicht das Gebiet. Die Ablehnung der Gegenwart führt nicht automatisch in die Zukunft. Die Kollektion bot keine Spannung, keine Reibung, keine Erkundung. Sie drehte lediglich Kleidungsstücke um, entfernte Strukturen und lud uns ein, dies als subversiv und etwas surrealistisch zu empfinden.

Doch Subversion erfordert Risiken. Und diese Sammlung ging keine ein.

Abschließende Hinweise

Die „Crow B“ ragte über uns auf; die „Backward Drift“ schleppte sich hinterher. Was als Prophezeiung präsentiert wurde, war in Wahrheit ein Spiegel – nicht der Zukunft, sondern dem Designer selbst vorgehalten.

Schiaparellis Herbst-Winter 2025-2026 war weder eine Auseinandersetzung mit der Zeit noch eine Evolution der Form. Es war eine Schleife. Ein Eintauchen in die persönliche Mythologie. Eine Prozession von Déjà-vus, getarnt als Offenbarung.

Wenn die Mode aufhört, Neues zu erfinden, wird sie zu einem Relikt ihrer selbst.

Dies war ein kuratierter Abgang und tatsächlich ein Abschied.

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