Rekapitulieren Sie die Paris Fashion Week Frühjahr/Sommer 2024 oder was Luxusmarken Ihnen nicht zeigen wollten. Chronik von Eleonora de Gray, Chefredakteurin von RUNWAY ZEITSCHRIFT. Foto mit freundlicher Genehmigung: BFMTV / GettyImages / Dior / Balmain / Balenciaga / Valentino / Saint Laurent / Undercover / Ginevra Fatarella.

Einführung in die Frühjahr-Sommer-Saison 2023 der Paris Fashion Week 2024

Die Pariser Modewoche verlief wie keine andere, und für jemanden wie mich, der seit mehr als zwei Jahrzehnten die Modeschauen in Paris, Mailand und New York besucht, waren die Veränderungen unbestreitbar. Im Laufe der Jahre sind Generationen von Designern gekommen und gegangen, Modemarken haben ihre Marketingstrategien geändert und Trends haben sich verändert.

Dieses Jahr hatte ich jedoch das Gefühl, in eine kleine, isolierte Gemeinschaft hineingezwängt zu werden. Die Modewelt wirkt mittlerweile abgeschieden, vom wirklichen Leben losgelöst und von Oberflächlichkeit besessen. Mode, einst die Avantgarde des persönlichen Ausdrucks und der Innovation, ist heute in einer winzigen Blase gefangen. Diese von den Sorgen des Alltagslebens entfernte Blase existiert in einem Bereich der Oberflächlichkeit, der ihre Verbindung zur realen Welt und ihren Menschen verloren zu haben scheint.

Der persönliche Stil hat sich in einen Zirkus aus Exzess und Vulgarität verwandelt. Die überschwängliche Zurschaustellung des persönlichen Stils hat sich in bloße Clownerie verwandelt und die subtile Kunstfertigkeit hinter sich gelassen, die diese Branche einst auszeichnete. Marken, die einst verehrt und begehrt waren, verschwinden heute unbemerkt, da das kollektive Interesse an ihnen nur noch ein Flüstern ist.

In Zeiten drängender Probleme wie Klimawandel und Umweltzerstörung ist die offensichtliche Ignoranz der Modebranche kaum zu verstehen. Die Anwesenheit unbekannter „Promis“ auf den Messen unterstreicht nur die Realitätsferne der Branche und ist nicht mehr amüsant.

In diesen Momenten konnte ich nicht anders, als über die Wurzeln des Ganzen nachzudenken und zu verstehen, wo wir jetzt stehen. Bei der Paris Fashion Week 2023 fühlte ich mich wie ein Fremder in einem einst vertrauten Land. Es ist an der Zeit, dass die Branche ihr Wesen wiederentdeckt, sich wieder mit der Realität verbindet und die Dringlichkeit unserer Zeit annimmt. Es ist Zeit, darüber nachzudenken, woher wir kommen und wohin wir gehen. All diese Bedenken werfen die Frage nach den Wurzeln der Modebranche im 21. Jahrhundert, den Prinzipien, auf denen sie gegründet wurde, und dem Abgrund auf, an dem sie ansetzen sollte.

Wenn ich über diesen beunruhigenden Wandel nachdenke, frage ich mich, was mit dieser Branche passiert ist und warum sie so hoffnungslos degeneriert ist. Die Pariser Modewoche vergangener Zeiten, die sich durch ihre Eleganz und kreative Brillanz auszeichnet, scheint eine ferne Erinnerung zu sein. Stattdessen befinden wir uns nun in einer Welt, die oft eher einem Zirkus als einer Feier von Stil und Substanz ähnelt.

Geschichte der Modebranche

Seit Beginn der menschlichen Kultur ist unsere Faszination für das persönliche Erscheinungsbild offensichtlich. Aufwändig gestaltete Kleidung und Schmuck dienen seit langem als Formen der Selbstdarstellung und Dekoration. Dieses Modekonzept ist seit seiner Entstehung mit der Kultur selbst verknüpft und spiegelt die Essenz der menschlichen Identität in ihrer Umgebung wider. Das Bewusstsein unseres Aussehens ist nach wie vor ein zentraler Aspekt unserer Existenz.

Als die Gesellschaft sich weiterentwickelte und wir begannen, Silber- und Goldmünzen zu prägen, um Waren und Dienstleistungen zu bezahlen, wurde dies zu einem Wendepunkt in unserer Kultur. Dieser Übergang führte zur Schichtung der menschlichen Gesellschaft in verschiedene Kasten. Mode wurde zu einem Unterscheidungsmerkmal, einem visuellen Marker für den eigenen Status. Je mehr Münzen man besaß, desto größer war die Fähigkeit, exquisite Kunstwerke zu erwerben, sich zu schmücken und sich von den unteren Kasten zu distanzieren.

Die Zeit verging und das 18. und 19. Jahrhundert erlebte den Aufschwung der Industrialisierung. Die Produktion von Stoffen und wertvollen Materialien wurde zu industriellen Unternehmungen. Der Kern unserer Herangehensweise an Mode und Designer blieb jedoch unverändert. Die Schneider/Designer luden ihre erlesene Kundschaft weiterhin ein und luden sie in ihre Ausstellungsräume ein, um ihr Selbstverständnis zum Leben zu erwecken. Hier entstanden im Laufe des kreativen Prozesses herausragende und einzigartige Kleidungsstücke, die die Individualität und die Ansprüche derjenigen verkörpern, die sie trugen. Diese Verbindung zwischen Mode, Kunstfertigkeit und persönlichem Ausdruck hat die Jahrhunderte überdauert und ist nach wie vor ein zeitloser Aspekt unserer Kultur.

Erste Modenschau und erste Fashion Week

Die Entwicklung der Mode hat durch die Pionierleistungen von einen bedeutenden Sprung nach vorne gemacht Charles Frederick Worth, ein englischer Modedesigner, der 1858 das House of Worth in Paris gründete. Worths visionärer Ansatz veränderte die Modelandschaft und brachte ihm den Spitznamen ein „Vater der Haute Couture.“ Er führte das Konzept der Jahreszeiten ein und orchestrierte das Ganze erste Modenschauen.

Dieser bedeutsame Wandel markierte die Geburtsstunde der Modebranche, wie wir sie heute kennen.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts gründeten berühmte Designer wie Jean Patou, Coco Chanel, Christian Dior, Pierre Balmain, Cristóbal Balenciaga, und viele andere zierten die Modeszene. Sie waren die kreativen Köpfe hinter atemberaubenden Modeinnovationen, Meisterwerken der Kunst, maßgeschneidert für königliche Familien, Aristokraten und das wohlhabende Bürgertum. Diese Ära war Zeuge des Höhepunkts der Haute Couture, in der jedes Kleidungsstück ein Beweis für die Handwerkskunst und den Luxus war, die die Branche ausmachten.

Ein weiterer entscheidender Moment war die Einführung des Fashion-Week-Konzepts in Paris. Vermarkter erkannten die Macht der Präsentation von Couture-Artikeln im öffentlichen Raum, von der Rennstrecke bis zum Schönheitssalon, indem sie Frauen engagierten, die diese Kreationen trugen. In Paris fand die erste organisierte Modewoche der Branche statt. Im Oktober 1973 erwies sich die Pariser Modewoche als bahnbrechendes Ereignis, organisiert von der Fédération Française de la Couture. Sie vereinte Haute Couture, Prêt-à-porter und Herrenmode in einem zusammenhängenden Schaufenster und bereitete die Bühne für das globale Phänomen, zu dem die Modewochen geworden sind.

Diese entscheidenden Momente, von Worths Innovationen bis zur Geburt der Paris Fashion Week, haben die Mode von einem Handwerk zu einer florierenden Kunstbranche gemacht und die Art und Weise, wie wir Stil wahrnehmen, konsumieren und zelebrieren, für immer geprägt.

Von der Kunst zur Extravaganz: Andy Warhols Moderevolution

In den 1970er Jahren führte eine bemerkenswerte Schnittstelle zwischen Kunst und Mode zu dem, was wir heute als „Mode-Spektakel.„In dieser Ära hat die Mode ihre konventionelle Rolle als bloßes kommerzielles Unterfangen überschritten und sich zu einem dynamischen Bereich der Kreativität und des Selbstausdrucks entwickelt. Es wurde zu einer Kunstform, die nicht nur vom Profit, sondern vor allem von der grenzenlosen Erforschung künstlerischer Möglichkeiten angetrieben wurde. Diese Transformationsperiode markierte eine Abkehr von traditionellen Vorstellungen von Mode und führte stattdessen zu einem neuen Unterfangen, bei dem der ungezügelte künstlerische Geist und das Streben nach Selbstdarstellung im Mittelpunkt standen.

In den 1970er Jahren tauchte eine prominente Persönlichkeit auf, die die Modelandschaft für immer prägen sollte: Andy Warhol. Als wegweisende Pop-Art-Ikone begann Warhol seine Karriere als Modeillustrator und hinterließ einen unauslöschlichen Eindruck in angesehenen Publikationen wie Glamour, Mademoiselle und Vogue. Doch Warhols Einfluss ging weit über den Bereich der Illustration hinaus; er war ein Vorreiter der Kunst und Mode nahtlos miteinander vermischte.

Warhols Vermächtnis zeichnete sich durch seinen innovativen Ansatz aus, seine Kunstwerke in greifbare Modestücke zu verwandeln. Durch seine avantgardistischen Kunstmodenschauen, die in The Factory in New York stattfanden, er schlug ein neues Kapitel in der Modegeschichte vor. Bei diesen Veranstaltungen wurden extravagante und künstlerisch gestaltete Modekreationen vorgestellt, die die Kluft zwischen Kunst- und Modewelt effektiv überbrücken und die Grenzen verwischen.

Warhols Innovation leitete eine neue Ära der Mode ein, die Extravaganz mit dem Ausdruck des persönlichen Stils durch künstlerische Designs verband. Mode wurde zu einem wirkungsvollen Instrument, um Gefühle über die Welt zu vermitteln, zu einer künstlerischen Leinwand, um die eigene Persönlichkeit auszudrücken. Es markierte einen Wandel, nicht nur in der Kleidung, sondern auch in der Art und Weise, wie Einzelpersonen ihre Ansichten über Kultur, Gesellschaft und die Herausforderungen der Welt kommunizierten.

Von diesem Zeitpunkt an wurden die Straßen nicht mehr nur von elegant gekleideten Menschen geschmückt; Es entstanden künstlerisch geschmückte Menschen, die der Kunst den Vorrang vor Eleganz gaben. Ihre Kleidungswahl wurde zu einem Medium, um ihre Sicht auf Gesellschaft, Ökologie und Soziales auszudrücken issues, nahtlos in ihren persönlichen Stil integriert.

Diese Bewegung war nicht lächerlich oder distanziert; ganz im Gegenteil – es war ein Mittel, eine einzigartige Sicht auf Kultur und Gesellschaft zu artikulieren. Die „Mode-Extravaganz“ war da und mit ihr eine neue Möglichkeit, tiefere Botschaften durch die Sprache des Stils zu vermitteln.

Ich würde nicht sagen, dass jeder extravagant gekleidete Mensch ein großer Intellektueller war. Es war jedoch unbestreitbar, dass jeder von ihnen ein tiefes Verständnis für die Bedeutung jedes Kunstwerks hatte, das er trug. Ihre Entscheidung, extravagante Kleidung zu tragen, geschah nicht, um wie ein Clown aufzufallen, sondern hatte einen bestimmten Zweck – ihre Meinung zu äußern. Jedes Kleidungsstück, das sie trugen, war ein bewusster Ausdruck, eine Aussage, eine Bedeutung.

Von der Kunst zum Profit: Die Umwandlung der Mode in eine Luxus-Geldmaschine 1980-2010

Zwischen den 1980er und frühen 2000er Jahren erlebte die Modewelt eine bemerkenswerte Ära, die vom großen Genie von Designern wie Karl Lagerfeld, Thierry Mugler, Franco Moschino, John Galliano, Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier und viele andere. Doch unter der Oberfläche dieser außergewöhnlichen Modeszene vollzog sich ein tiefgreifender Wandel – eine Entwicklung von Kreativität und Kunstfertigkeit hin zu einem unermüdlichen Streben nach Profit, wodurch sich die Mode in eine wahre Geldmaschine verwandelte.

Zwei einflussreiche Geschäftsleute, Bernard Arnault (LVMH) und François Pinault (Kering), spielten in dieser Zeit eine entscheidende Rolle bei der Neugestaltung der Modelandschaft. Sie definierten das Wesen von „Luxus“ neu, indem sie beträchtliches Kapital in die Branche investierten. Auf diese Weise stärkten sie die Designer, erhöhten aber im Streben nach Markenprestige auch die Bekleidungspreise erheblich. Aus dieser Transformation entstand das Konzept der „Luxusmarke“. Ihr Ansatz stellte jedoch den Profit vor die Kreativität, eine Verschiebung, die dramatische Folgen hatte.

Hinter der glamourösen Fassade der Mode waren wir Zeuge von Thierry Muglers Rückzug aus der Szene, Alexander McQueens tragischem Selbstmord und John Gallianos Kampf gegen die Drogenabhängigkeit, der Dior in Aufruhr versetzte. Das Umfeld der Branche wurde immer unnachgiebiger.

Der entscheidende Moment kam zwischen 2000 und 2010, als die Kreativität gegenüber der Produktion in den Hintergrund trat, was durch einen unerbittlichen Zyklus von Kleidungsstücken über vier Saisons hinweg gekennzeichnet war. Der Schwerpunkt verlagerte sich auf aggressive Marketingstrategien, die darauf abzielten, den übermäßigen Konsum von Luxusprodukten zu fördern.

In diesem neuen Paradigma umfasste „Luxus“ nicht nur Exklusivität, sondern auch die Verwendung außergewöhnlich seltener Materialien, darunter seltene Tierhäute und Edelsteine. Die Modelandschaft hatte einen bedeutenden Wandel durchgemacht, in dem das Streben nach Kreativität und künstlerischem Ausdruck von einem unnachgiebigen Streben nach Profit und der Kommerzialisierung von Luxus überschattet wurde.

In dieser Zeit blieb die Faszination der Öffentlichkeit für Mode und Modedesigner ungebrochen, verbunden mit einer tiefen Wertschätzung für Kunstfertigkeit und Kreativität. Vermarkter mussten noch keine Taktiken anwenden, um die Öffentlichkeit zum Kauf dieser Designs zu verleiten. Experten und media Der Schwerpunkt lag darauf, aufschlussreiche Meinungen zu Designs und Kleidungsstücken abzugeben, anstatt nur Aufsehen zu erregen.

Was hat sich geändert?

Luxusmarken und sich ändernde Marketingstrategien 2010–2020

Zwischen 2010 und 2023 erlebte die Modebranche einen bedeutenden Wandel, der die traditionelle Dynamik des Modegeschäfts veränderte. In dieser Zeit trafen Luxusmarken die strategische Entscheidung, die Kontrolle über ihre Narrative zu übernehmen und so externe Experten oder Moderedakteure überflüssig zu machen. Sie ziehen es vor, ihre Meinung über sich selbst ohne Einmischung von „außen“ der Öffentlichkeit mitzuteilen. Da diese Expertenmeinungen möglicherweise nicht praktisch sind. Sie entschieden sich für die direkte Kommunikation mit der Öffentlichkeit.

 Und so haben Influencer die Plätze der Experten eingenommen. Luxusmarken tendierten zunehmend zu egozentrischen Bloggern und Influencern, denen oberflächliches Lob oft den Vorrang zu geben schien. Egozentrische Luxusmarken gaben egozentrischen Influencern den Vorzug, die nur sagen können "BEEINDRUCKEND" Informieren Sie sich über die Sammlung und machen Sie vor Ort Selfies mit einer Notiz „Ich wurde eingeladen, WOW.“ 

Die Entwicklung setzte sich fort, als Vermarkter von Luxusmarken den Versuch wagten, soziale Gemeinschaften zu schaffen media Netzwerke. Diese Communities hielten sich strikt an die vorgegebene Marketingstrategie und unterdrückten jegliche kritische Reflexion. Sie begannen, alles und jeden zu verbieten, der nicht blind der vorgeschlagenen Marketingstrategie folgt oder seine Meinung äußert, die Reflexion über die vorgeschlagenen Luxusprodukte. Vermarkter wollen kein Spiegelbild haben, das verlangsamt den Kaufprozess. 

Der Kerngedanke dieser Marketingstrategie lässt sich wie folgt zusammenfassen: „Denken Sie nicht nach, sondern kaufen Sie einfach. Denken Sie nicht an die Ökologie, kaufen Sie einfach, auch wenn es aus exotischer Tierhaut besteht, es ist selten, es ist Luxus, denken Sie nicht darüber nach, wie dieses seltene Tier gehäutet wurde, kaufen Sie einfach, es ist Luxus, denken Sie nicht, ob es schlecht ist Kopie einer anderen Luxusmarke, kaufen Sie sie einfach, sie trägt das Label unserer Marke.“

WOW!…

Diese egozentrischen Marketingstrategien, gepaart mit einer offensichtlichen Missachtung eines verantwortungsvollen Konsums, führten zu einem nachlassenden Interesse der Öffentlichkeit. Die Verbraucher begannen sich abzukoppeln, da sich Luxusmarken vom Druck loszusagen schienen issueDazu gehören Wirtschaftskrisen, Nahrungsmittelknappheit, Umweltprobleme, globale Erwärmung und gesellschaftliche Bedenken. Die Menschen waren weit davon entfernt, passive Konsumenten zu sein, sondern strebten nach einem stärkeren Engagement.

Luxusmarken haben mit ihrem Streben nach egozentrischen Marketingstrategien unbeabsichtigt die Öffentlichkeit verprellt. Die Menschen wünschten sich von diesen Marken Respekt und Engagement, nicht nur einseitige Kommunikation. Die wachsende Kluft wurde in der Diskrepanz zwischen den Millionen von „Followern“, die Luxusmarken in den sozialen Medien angehäuft haben, deutlich media und die begrenzten Kommentare, die hauptsächlich aus oberflächlichem Lob bestehen.

Gelegentlich gelang es einer Luxusmarke, mit einem einzigen Produkt (z. B. einer Büchertasche von Dior) einen flüchtigen Trend zu schaffen, der jedoch ein Jahr später an Bedeutung verlor.

Im Wesentlichen befanden sich Luxusmarken in einer rückläufigen Blase und verloren nach und nach den Kontakt zu den sich entwickelnden Interessen der Öffentlichkeit, während die Modewochen kamen und gingen, ohne dass sie bemerkt wurden.

Paris Fashion Week 2023 – Frühjahr-Sommer-Saison 2024

Während die Mailänder Modewoche wie immer ein großartiger Ort der Eleganz und Anmut ist, hinterließ diese Pariser Modewoche einen sehr schlechten Geschmack. Schlecht oder seltsam gekleidete, sich unhöflich benehmende Menschen stürmten vor dem Eingang zu den Shows auf die Straße, überprüften mit den Zähnen riesige gefälschte „goldene“ Halsketten, schüttelten einige Körperteile, schrien und entstellten Luxussalons der Hotels mit Farbspraybomben – so sieht die Paris Fashion Week heute aus. Soviel zum Thema Eleganz und Anmut. Finden Sie diese Darstellung ansprechend?

Lebende Schmetterlinge sterben in den Röcken von Undercover

Man könnte argumentieren, dass dieser Ansatz darauf abzielt, die Aufmerksamkeit der jüngeren Generation, der Generation Z, zu gewinnen. Diese aufstrebende Generation sucht aktiv nach ihrer Rolle in der Welt und engagiert sich intensiv in verschiedenen sozialen und ökologischen Bereichen issueS. Man kann jedoch nicht umhin, sich zu fragen, ob die Unterbringung Hunderter lebender Schmetterlinge in Luftpolsterfolien ein wirksames Mittel ist, um eine Botschaft über die Notwendigkeit des Umweltschutzes zu vermitteln. Aber was ist mit diesen lebendigen Schmetterlingen, die in den Röcken sterben? Brand Undercover präsentierte dieses unkonventionelle Konzept im Rahmen ihrer Frühjahr-Sommer-Kollektion 2024.

Übernahme einer spanischen Fabrik durch LVMH, die auf die Häutung und Behandlung exotischer Tiere spezialisiert ist

Was ist mit Bernard Arnaults jüngster Übernahme durch LVMH, bei der es sich um eine spanische Fabrik handelt, die sich auf die Häutung und Behandlung exotischer Tiere zur Herstellung von Luxustaschen spezialisiert hat? Interessanterweise zeigte Pharrell Williams, der neu ernannte künstlerische Leiter der LVMH-Herrenmode, großes Interesse an diesem Vorhaben. Eine besondere Vorliebe hat er für Luxustaschen aus Krokodil- und Pythonfellen sowie für Pelze exotischer Tiere. Im Juli enthüllte und versteigerte er mehrere Krokodiltaschen und Pelzmäntel, die jeweils einen unglaublichen Preis von einer Million Dollar erzielten. Dieser extravagante Schritt erfolgte kurz nachdem Präsident Joe Biden sich an ihn gewandt und ihn daran erinnert hatte, dass er Amerikaner sei und die ethische Behandlung von Tieren in den Vereinigten Staaten hochgehalten werde. Dennoch glaubt Pharrell Williams, dass er kein Amerikaner mehr ist, sondern LVMH-Anhänger und daher scheinbar immun gegen offizielle und inoffizielle Korrespondenz von Tierrechtsorganisationen wie PETA (People for the Ethical Treatment of Animals), die von Präsident Joe Biden selbst finanziert wird .

Ein Mitglied von PETA, gekleidet in Pythonlederimitationen und künstliches Blut, versuchte, die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit vor dem Louis Vuitton-Laden auf den Champs-Élysées auf sich zu ziehen, um das Bewusstsein zu schärfen. Der Demonstrant wurde jedoch umgehend und ohne viel Aufhebens von der Polizei entfernt. Dieser Ausschluss erfolgte kurz nachdem der Demonstrant versucht hatte, Passanten dazu zu bewegen, einen Boykott von Louis Vuitton in Betracht zu ziehen, da Bedenken hinsichtlich der Behandlung exotischer Tiere durch die Marke bestehen.

Jemand hat uns gesagt, dass wir das Recht haben, unsere Meinung zu äußern, dass wir in der Demokratie leben? Es scheint jedoch, dass die Domäne von Louis Vuitton für solche Meinungsäußerungen möglicherweise nicht so empfänglich ist.

Pharrell Williams 15. Oktober – Interview mit Business Of Fashion. Er sprach über seine Vision von Mode und der Zukunft von Louis Vuitton. Pharrell trägt eine Bomberjacke aus Krokodilleder, Sohn des… Pharaos.

In der Tat eine glänzende Zukunft.

Peta-Demonstrant bei Hermes-Show

Während dieser Modewoche beteiligten sich PETA-Befürworter an Protesten bei verschiedenen Modeschauen. Ein besonders dramatischer Moment ereignete sich bei der Hermes-Show, als ein PETA-Unterstützer aus dem Publikum hervortrat und die Halle betrat runway, mit einem Schild, das ein Ende der Verwendung exotischer Tiere bei der Herstellung von Luxusprodukten von Hermes forderte. Die schiere Kühnheit dieser Tat hinterließ beim Publikum einen bleibenden Eindruck.

Unbekannte „Promis“ auf den Pariser Modenschauen

Von dramatisch bis völlig absurd. Immer wenn wir offizielle Bilder von einer Luxusmarke erhalten, schaue ich mir stets die Liste der zur Show eingeladenen Prominenten an. Es kommt in der Tat selten vor, dass es mir gelingt, unter den fünfzig anwesenden „Prominenten“ ein oder zwei Personen zu erkennen. Es stellt sich die Frage: Wer genau sind diese Leute? Für was sind sie berühmt? Und warum hat sich die Luxusmarke die Mühe gemacht, ihre Hotelkosten zu decken und sie akribisch so zu stylen, dass sie die Essenz der neuen Kollektion verkörpern, wenn ihre Identität der Öffentlichkeit weitgehend unbekannt bleibt?

Ich erkundigte mich diesbezüglich bei einem PR-Mitarbeiter, der Licht ins Dunkel brachte. Ihrer Meinung nach handelt es sich bei den meisten dieser besonderen Gäste typischerweise um Schauspieler, Sänger oder Influencer. Es wird angenommen, dass ihre Präsenz der Marke einen erheblichen Wert verleiht, da ihre Follower ihre Stilentscheidungen reproduzieren und anschließend Käufe tätigen können. Und ihre Präsenz verleiht der Marke einen enormen Wert, da Menschen, die ihnen folgen, ihren Look sehen und ihn auch kaufen. Tun sie das wirklich? Es braucht so viel mehr als das! 

Wenn also ein Schauspieler aus einer unbekannten Netflix-Serie, die, sagen wir, 100,000 Menschen sehen, zu einer Modenschau eingeladen würde, so die Argumentation eines PR-Beauftragten, gehe man davon aus, dass dies zu einem Gewinn von 100,000 Neukunden führen würde Follower für die Luxusmarke und möglicherweise zusätzliche Kunden.

Nun, da muss ich widersprechen, da ich glaube, dass es nicht mit der Realität übereinstimmt. Darüber hinaus muss ich hier hinzufügen, dass dieser Schauspieler oder Sänger oder was auch immer nichts auf seinem Instagram postet – dem primären Gradmesser für Ruhm für PR-Beauftragte. Und die Wahrscheinlichkeit, dass jemand auf der Erde diese Person und ihren Aufenthaltsort während der Modewoche in Paris googelt, ist sehr gering. Am Ende beobachteten wir unzählige unbekannte Menschen, die auffällig gekleidet in den ersten Reihen saßen, aber nur minimale Aufmerksamkeit erregten. Niemand außer dem offiziellen Fotografen einer Luxusmarke hat Fotos von ihnen gemacht. 

Charlotte Casiraghi für Chanel und tödliche Angst vor Langeweile

Während dieser Modewoche hatte ich die Gelegenheit, das Interview mit Charlotte Casiraghi zu sehen, einer prominenten Figur in Chanels Marketingkampagnen. Sie rezitiert die Gedichte in Chanel-Podcasts, vor den Kunden und so weiter. Sie ist Model, Prominente, Autorin, Redakteurin, Reiterin, Journalistin, Filmproduzentin und humanitäre Helferin. Sie ist das zweite Kind von Caroline, Prinzessin von Hannover, und Stefano Casiraghi. Sie steht an elfter Stelle in der Thronfolge von Monaco. Kurz gesagt, sie nennt sich Prinzessin von Monaco und vertritt Chanel. Während des Interviews ging es noch einmal um ökologische Krisen, soziale Sorgen und Zukunftsängste. Irgendwann stellte eine Journalistin eine Frage zu ihren persönlichen Ängsten. Als Reaktion darauf teilte sie ein einzigartiges Anliegen mit, das sie berührte: „Heute gibt es eine Angst, die mich mehr beunruhigt als alles andere, es ist die Angst vor der Leere, die Angst vor Langeweile.“  Diese Aussage erreichte ein breites Publikum, da sie in Frankreich vor mehreren Millionen Zuschauern ausgestrahlt wurde. Mehrere media bemerkte das distanzierte Gesicht von Chanel. Wie wirkt sich das Ihrer Meinung nach auf den Ruf dieses Luxushauses aus?

Eine Flut von K-Pop auf der Paris Fashion Week

Dieses Mal erlebten wir einen beispiellosen Zustrom von K-Pop-Jungs und -Mädchen unter den geladenen Gästen. Diese neue Welle von VIP-Besuchern schien die Influencer ersetzt zu haben. K-Pop, die Abkürzung für Korean Pop, brachte ein liebenswertes Element in die Szene. Es zeigte sich jedoch, dass viele von ihnen weder Französisch noch Englisch sprachen, was wenig Raum für eine sinnvolle Interaktion ließ. Ihr Hauptaugenmerk schien eher darauf zu liegen, sich in ihren süßen Outfits zu präsentieren, als auf die präsentierten Kollektionen oder Shows zu achten. Und am Eingang jeder Show versammelten sich viele sehr junge Leute, die neugierig waren, sie zu sehen. 

Schon vor der Pierre-Cardin-Show war ich verblüfft über die enorme Zahl junger Menschen, die sich versammelt hatten. Als ich nach ihrer Anwesenheit fragte, war zu meiner Überraschung, dass viele von ihnen mit dem Erbe von Pierre Cardin nicht vertraut waren. Ihr Hauptmotiv, vor dem Eingang der Show zu stehen, war, einen Blick auf K-Pop-Figuren zu erhaschen, die vielleicht auftauchen würden. Dieselbe Szene, die mir vor jeder Show auffiel, mit einer Vielzahl enthusiastischer, junger Besucher, die nicht dem Designer zujubelten, sondern in Erwartung eines potenziellen K-Pop-Künstlers.

Diese Strategie dient dazu, „kostenlose“ Clacker zu sammeln, die den offiziellen Videoaufzeichnungen zugute kommen. In Bezug auf den Beitrag, den es zur Pariser Modewoche oder zu den Designern selbst leistet, scheint die Antwort jedoch „NICHT“ zu lauten.

„Kostenlose“ Klacker für Balmain oder Algorithmuserkennung für Dolce & Gabbana

Viele Designer haben viele Videos von diesen jungen „kostenlosen“ Klackerern gemacht Olive Rousteing von Balmain zum Beispiel. Nach seinem gewaltigen Fiasko in den USA und den Haushaltskürzungen entschied er sich für ein öffentliches Spektakel. Nur zwei Wochen vor seiner Show machte er Schlagzeilen, indem er behauptete media dass seine gesamte Sammlung am Flughafen gestohlen worden sei, eine Aussage, die natürlich bei Journalisten und der Öffentlichkeit für Stirnrunzeln sorgte. Das trifft wahrscheinlich zu, da alle Stücke von Balmain in China entworfen und hergestellt werden. Aber wir haben nie nachverfolgt, was tatsächlich passiert ist und ob die „Diebe“ endlich gefasst wurden. 

Olive Rousteing ist in der Fachwelt dafür bekannt, die Stücke von Chanel, Thierry Mugler, Louis Vuitton, Gucci, Moschino usw. zu reproduzieren. Während der Modewoche stellte er eine etwa 60 Stücke umfassende Kollektion vor, die fast genau wie Stücke von Dolce & Gabbana aussahen Andachtssammlungen. 

Olive Rousteing Vielleicht haben Sie vergessen, dass Instagram über eine Funktion verfügt, die Produkte überprüft und markiert und sogar Informationen zum Geschäft bereitstellt. Jedes Bild, das wir auf unserem Instagram gepostet haben, wird vom Instagram-Algorithmus als Dolce & Gabbana erkannt und gibt die Adressen der Geschäfte an, in denen man es kaufen kann. Dies wirft eine einfache Frage auf: Wie kann das? Rousteing immer noch der Kreativdirektor dieses Modehauses sein?

Balenciaga und Merlyn Menson schwärmen

Balenciagas Frühjahr-Sommer-Kollektion 2024, unter der Leitung von Demna Gvasalia, ist noch tiefer in ein Reich eingetaucht, das man nur als pure Absurdität und Provokation bezeichnen kann. Der Begriff eines „Konzepts“ scheint in diesem Zusammenhang eine kaum verhüllte Entschuldigung für das zu sein, was man nur als eine Deformation der Mode und einen Abstieg in die Perversität bezeichnen kann. Die Frühjahr/Sommer-Kollektion 2024 von Balenciaga scheint allein schon in Kontroversen zu schwelgen, mit einer Mischung aus Einflüssen und Entscheidungen, die unverständlich sind. Es ist eine Sammlung, die ernsthafte Fragen über die Richtung der Modebranche und ihre Verantwortung für die Förderung eines positiven und bedeutungsvollen kulturellen Diskurses aufwirft.

Die Frühjahr/Sommer-Kollektion 2024 von Balenciaga scheint eine weitere Abkehr von konventioneller Mode zu sein. Es scheint Elemente der Subversion zu umfassen, verschiedene Einflüsse und unkonventionelle Entscheidungen einzubeziehen. Mode ist oft ein Spiegelbild kultureller und gesellschaftlicher Veränderungen, und Designer wie Demna Gvasalia sind für ihre Fähigkeit bekannt, Kontroversen zu provozieren.

Die Frühjahr/Sommer-Kollektion 2024 von Balenciaga unter der Leitung von Demna Gvasalia ist noch tiefer in ein Reich eingetaucht, das man nur als pure Absurdität und Provokation bezeichnen kann. Der Begriff eines „Konzepts“ scheint in diesem Zusammenhang eine kaum verhüllte Entschuldigung für das zu sein, was man nur als eine Deformation der Mode und einen Abstieg in die Perversität bezeichnen kann.

Was den Verstand wirklich verblüfft, ist die Entscheidung, bekannte Kritiker und Journalisten zu gewinnen, um durch die Bühne zu stolzieren runway. Cathy Horyn, eine angesehene Modekritikerin und Journalistin der New York Times, Diane Pernet, eine amerikanische Bloggerin, die für ihre spanische schwarze Ästhetik bekannt ist, und sogar Demna Gvasalias eigene Mutter gehörten zu den unerwarteten „Models“. Die Einbeziehung von Amanda Lepore, einer Performance-Künstlerin, und Loïk Gomez, Ehemann von Demna, bekannt als BFRND, einem techno-symphonischen Musikkünstler, verleiht diesem Spektakel eine Ebene verwirrender Zufälligkeit.

Und dann ist da noch die beunruhigende Entscheidung, die Show mit einer Balenciaga-Braut zu beenden, die für Marilyn Manson wie eine „neue Braut“ aussah. Manson, dessen Taten zu Morden in den Vereinigten Staaten geführt haben, sollte in keinem Modekontext verherrlicht werden. 

Man könnte immer noch denken, dass dies alles „ein künstlerischer Ausdruck“ ist. Aber das Ergebnis ist so einfach: Tausende Stücke von Balenciaga wurden in den letzten Jahren in Geschäften wie Saks und Bloomingdale's mariniert. Niemand will sie kaufen. 

Ich mache diesen „besonderen Zusatz“ am 11. November, einfach um den Punkt zu verdeutlichen. Saks Fifth Avenue hat kürzlich an alle seine Kunden einen Newsletter über Balenciaga 834-Stücke mit massiven Rabatten von 30–70 % verschickt. Ich konnte im Mai 2022 gezeigte Stücke aus der Balenciaga x Adidas-Kollektion erkennen und so weiter. Saks weiß wie viele andere Kaufhäuser nicht, wie sie diesen riesigen „unerwünschten“ Balenciaga-Bestand an Kleidung loswerden können.

Und das ist die Realität. Doch offenbar versuchen Balenciaga und der Mutterkonzern Kering, diese Ergebnisse zu verheimlichen.

Dior Frühjahr/Sommer 2024 Prêt-à-porter „Zauberei und Monster, oder Moderne Hexen verzaubern"

Diors Frühjahr-Sommer-Kollektion 2024: „Zauberei und Monster oder moderne Hexen verzaubern.“" ist eine verblüffende Abkehr von der typisch eleganten und anspruchsvollen Ästhetik der Marke. Maria Grazia Chiuris Vision von Hexen, die sich in Monster verwandeln, wird leider auf eine Art und Weise umgesetzt, die es an Geschmack und Raffinesse mangelt. Die feministischen Botschaften an den Wänden sind zwar wichtig, wirken aber fehl am Platz und gezwungen und versuchen, den Mangel an Kohärenz in den Designs auszugleichen. Die Aussage: „Fuchsia mit Gelb ist kein Marshmallow; Es ist meine Art, hervorzuheben, was falsch und was richtig ist“, fühlt sich eher wie ein verzweifelter Versuch an, eine Sammlung zu retten, die hinter den Erwartungen zurückbleibt. Die Farbpalette aus Asche, Kamille und Liebestränken lässt die Kollektion nur noch düsterer und unattraktiver erscheinen. Der Umwandlung des ikonischen Millefleurs-Musters von Dior in ein dunkles Motiv fehlt die Raffinesse, die man von der Marke erwarten würde.

Wo es dunkel ist, gibt es am Ende der Paris Fashion Week immer ein Licht

Ich möchte diese kleine philosophisch-historische Chronik positiv beenden. Mehrere Kollektionen, die diese Modewoche präsentiert wurden, erregten meine ganze Aufmerksamkeit und haben mich umgehauen. Bemerkenswert unter ihnen waren die Sammlungen von Valentino, Saint Laurent, Elie Saab, Schiaparelli, Givenchy und Anlage.

Sammlung von Valentino für Frühling Sommer 2024 ist ein Meisterwerk, das Eleganz, Jugendlichkeit und eine tiefgreifende Botschaft der Ermächtigung vereint. Eines der herausragenden Merkmale dieser Sammlung ist die Darstellung von Nacktheit als natürlichem Zustand und nicht als Mittel zur Provokation. Dieser Ansatz stellt herkömmliche Vorstellungen von Mode und der weiblichen Figur in Frage. Der Stoff wird mithilfe der innovativen Technik, die als bekannt ist, in nahtlose dreidimensionale Formen geformt Altorilievo (Hochrelief). Diese naturalistischen Formen, inspiriert von barocken Motiven, umrahmen den nackten Körper und verwischen die Grenzen zwischen Kleidung und dem Körper selbst.

Valentino ist ein italienisches Modehaus und Pierpaolo Piccioli ist ein italienischer Modedesigner. Daher kann man mit Recht behaupten, dass Mailand zur zeitgenössischen Welthauptstadt der Mode geworden ist. Es ist der richtige Ort, wenn man Eleganz, Anmut und die bemerkenswerteste Kunstfertigkeit der Mode sucht.