MODE & KULTUREN Europas. Historische Untersuchung von Guillaumette Duplaix, Chefredakteurin von RUNWAY ZEITSCHRIFT. Foto/Bilder mit freundlicher Genehmigung: GettyImages/INPI/Louis Vuitton/Dolce Gabbana/Emilio Pucci.

„Die Mode verblasst, nur der Stil bleibt.“

Coco Chanel

Mode als wesentlicher Bestandteil unserer Gesellschaft

Mode spielt eine entscheidende Rolle, indem sie sich auf Kulturen, Geschichte und Kunst stützt und sowohl als Bildungsinstrument als auch als Inspirationsquelle dient. Das Verfolgen von Modetrends führt oft zur Entstehung von Gemeinschaften mit gemeinsamen Interessen, die gemeinsam in die gleiche Richtung gehen.

Große Luxusmarken haben Jahre damit verbracht, ihre Identität und DNA aufzubauen. Manchmal engagieren sie aus Marketing- oder kulturellen Gründen Kreativdirektoren außerhalb ihres traditionellen Kreises, um ein neues Publikum mit einem anderen kulturellen Hintergrund anzulocken.

Dieser Ansatz mag auf den ersten Blick verlockend erscheinen, da er frische Ideen und eine neue Perspektive einbringt. Es ermöglicht einer Marke, sich neu zu erfinden und im Laufe der Zeit relevant zu bleiben. Allerdings sind mit dieser Praxis auch Risiken verbunden.

Eines der Risiken ist die Verwässerung der Identität des Luxushauses

Wenn ein externer Kreativdirektor eingestellt wird, bringt dieser möglicherweise eine Vision mit, die von der etablierten Identität der Marke abweicht und möglicherweise den Kern und die Authentizität der Marke verwässert. Treue Fans und Kunden könnten sich entfremdet oder enttäuscht fühlen, wenn die Werte und die Ästhetik, die sie schätzen, erheblich verändert werden.

Darüber hinaus kann die Beauftragung eines externen Kreativdirektors als rein kommerzielle Strategie angesehen werden, die darauf abzielt, neue Kunden zu gewinnen und den Umsatz zu steigern. Dies kann zu Kritik führen und als Ausbeutung der Kultur oder kulturelle Aneignung wahrgenommen werden, insbesondere wenn sich die Marke stark auf eine bestimmte Kultur bezieht, ohne deren Ursprünge und tiefe Bedeutungen zu würdigen.

Die Idee, einen Kreativdirektor zu ernennen, der nicht zum traditionellen Narrativ einer Luxusmarke gehört, mag vielversprechend erscheinen, es ist jedoch wichtig, diese Praxis mit Vorsicht anzugehen. Es ist wichtig, ein Gleichgewicht zwischen Innovation und der Wahrung der Identität und Geschichte der Marke zu finden und kulturelle Sensibilität zu zeigen, um jede Form der Ausbeutung oder kulturellen Aneignung zu vermeiden.

Mode ist ein gesellschaftliches Ereignis.

MODE & KULTUR IN FRANKREICH

Lassen Sie uns die Entwicklung von Louis Vuitton unter der Führung von Virgil Abloh erkunden.

Dieser talentierte Mensch erfüllte seine Mission erfolgreich, indem er ein überwiegend musikalisches, sportliches und afroamerikanisches Publikum anzog. Dadurch ist eine neue Verbrauchergemeinschaft entstanden, die ihre Gruppenzugehörigkeit durch die Marke Louis Vuitton zum Ausdruck bringt. Dieser Trend konzentriert sich jedoch möglicherweise mehr auf das äußere Erscheinungsbild und die Zurschaustellung von Reichtum als auf ein echtes Verständnis der Kultur und Bedeutung der Marke.

Für Luxusmarken ist es von entscheidender Bedeutung, ihre DNA und ihr kulturelles Erbe zu bewahren und sich gleichzeitig weiterzuentwickeln. Die Verfolgung kurzfristiger Finanzstrategien kann mitunter zu einem Authentizitätsverlust und einer Verwässerung der Markenidentität führen.

Ich beziehe mich auch auf das Beispiel von Pharrell Williams, der Designs mit Häuten gefährdeter Tiere präsentierte, ohne professionelle Meinungen zu berücksichtigen. Dies wirft berechtigte Bedenken darüber auf, wie Inspiration zu kultureller Aneignung führen kann, und wie wichtig es ist, beim Modedesign die Natur und die Umwelt zu respektieren.

Mode dient in der Tat als Medium für Kultur, Bildung, Wirtschaft und Politik. Es hat tiefgreifende Auswirkungen auf unsere Gesellschaft und kann eine wichtige Rolle bei der Gestaltung unserer individuellen und kollektiven Identität spielen. Daher ist es für Modehäuser von entscheidender Bedeutung, sich ihrer Verantwortung bewusst zu sein und ethisch zu handeln, um sicherzustellen, dass sie ihr Erbe bewahren und sich gleichzeitig an die Veränderungen in der heutigen Welt anpassen.

Es ist jedoch auch wichtig anzuerkennen, dass die Meinungen über Mode und ihre Auswirkungen unterschiedlich sein können. Einige sehen diese Veränderungen möglicherweise als Chance zur Diversifizierung und Erneuerung, während andere Bedenken hinsichtlich der Wahrung von Authentizität und kultureller Bedeutung haben.

Es ist wichtig, diese Vielfalt an Perspektiven in Diskussionen über Mode anzuerkennen und einen offenen und respektvollen Dialog zu fördern.

Die Hauptstadt der Mode bleibt PARIS mit Haute Couture

Ich lade Sie ein, diese Seite zu erkunden Website des Kulturministeriums. Das Kulturministerium unterstützt die Kreation, Forschung und Innovation in der Mode durch die Finanzierung von Organisationen und Projekten, die zur Bekanntheit der französischen Mode beitragen.

Mode ist in erster Linie eine Frage des Aussehens:

EINE HALTUNG

Tatsächlich gibt es Kleidung schon seit prähistorischen Zeiten und sie hat sich im Laufe der Jahrhunderte weiterentwickelt, aber erinnern wir uns daran: Die ersten, die die Kleiderordnung übernahmen, waren am Hof ​​von Versailles. Ludwig XIV. und Jean-Baptiste Colbert beschlossen, Frankreich zum weltweit führenden Hersteller von Bekleidungsartikeln und -produkten zu machen. Die Luxusindustrie geriet unter die Autorität der Krone.

Dies führte zur Entstehung renommierter Kunsthandwerker wie Rose Bertin. Die Pariser Haute Couture sollte der Erbe dieses Phänomens werden. Kurz vor der Französischen Revolution begannen illustrierte Modealmanache, die Pariser Mode den Lesern in der Provinz und in ganz Europa bekannt zu machen.

Dies war die Geburtsstunde des Modejournalismus, einem entscheidenden Instrument für die Liberalisierung der Bekleidung.

Der extravagante Stil des französischen Königshofes führte zu immensen Schulden, die von den Steuerzahlern getragen wurden. Diese übermäßigen Ausgaben trugen auch zum schlechten Ruf von Marie-Antoinette bei und wurden sogar zu einem der Missstände, die die Französische Revolution auslösten. Lange nach ihrem Tod bleibt Marie Antoinette eine bedeutende kulturelle Ikone und symbolisiert sowohl Glamour als auch Reichtum.

Während der Französischen Revolution gaben die „Sans-Culottes“ der Kleidung eine politische Bedeutung. Das Gesetz vom 8. Brumaire-Jahr 2 (29. Oktober 1793) erklärte die Freiheit, sich nach Belieben zu kleiden, was die Demokratisierung der Kleidung ankündigte.

Im Zweiten Kaiserreich waren es vor allem die Briten Charles Frederick Worth, der in Paris Pionier beim Einsatz lebender Modelle war. Dies war die Geburtsstunde der Haute Couture.

Bis ins 20. Jahrhundert stellten die Menschen ihre Kleidung entweder selbst her oder ließen sie nach Maß anfertigen. Im Ersten Weltkrieg befreiten Designer den weiblichen Körper vom Korsett.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erfand Jeanne Paquin Modenschauen.

Zu dieser Zeit gab es in Paris etwa zwanzig Couture-Häuser. Paul Poiret war der erste, der „den Körper der Frau emanzipierte“.

Diese Jahre waren von einem neuen Trend in der Modewelt geprägt: der Zusammenarbeit zwischen Couturiers und bildenden Künstlern. Zum Beispiel, Elsa Schiaparelli arbeitete mit dem Maler Salvador Dali zusammen. Ihre Freundschaft führte zur Schaffung einer außergewöhnlichen Sammlung, die künstlerische Stile und lebhafte Fantasie vereinte. Das berühmte „Lobster Dress“ von 1937 war ein bemerkenswertes Beispiel für diese Fusion.

Um ihre Reichweite zu vergrößern, schloss die Mode erfolgreich Allianzen mit Fotografie und Kino. Im Jahr 1930 schloss Coco Chanel einen Vertrag mit Samuel Goldwyn ab, um Outfits für die Stars von United Artists zu entwerfen.

Paris gilt als Welthauptstadt der Mode, wovon auch die zahlreichen Modeboutiquen in der Stadt zeugen. Die Welt begrüßt französische Mode und ihre Kultur. Heutzutage findet ein kultureller Austausch zwischen Ländern und Luxusmodehäusern statt, der zu großartigen Ergebnissen führt.

Warum?

Das Wort „Kultur“ ist in beiden Kontexten von zentraler Bedeutung.

Wenn das „kulturelle“ System, das heute von großen Luxushäusern übernommen wird, auf Geschichte, Sensibilität, Respekt usw. basiert, entstehen natürliche Verbindungen. Wenn dieser Ansatz dagegen rein marketingorientiert ist (um es im wahrsten Sinne des Wortes zu interpretieren), wird er von der „Gebraucht“-Community abgelehnt.

MODE & KULTUR IN ITALIEN

Die Geburt der italienischen Mode und „Made in Italy“

Die Geschichte der italienischen Mode reicht bis ins Mittelalter zurück, als die ersten Web- und Färbereien entstanden. In dieser Zeit wurden die wertvollsten Stoffe aus dem Osten importiert und italienische Werkstätten spezialisierten sich auf die Herstellung raffinierter und hochwertiger Textilien. Aus dieser handwerklichen Tradition und der italienischen Handwerkskunst entstand die Marke „Made in Italy“, die dazu beitrug, dass sich die italienische Mode auf der internationalen Bühne hervorhob. Im Laufe der Jahrhunderte haben italienische Designer immer wieder Innovationen hervorgebracht und neue Stile entwickelt, wobei sie sich sowohl von der Renaissance als auch von der mediterranen Kultur inspirieren ließen.

Rom, Florenz und Mailand symbolisieren die italienische Modewirtschaft

Römische Haute Couture

Der Erfolg der Mode in Rom in der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg war das Ergebnis eines Exzellenzprozesses, der in den 1870er Jahren begann, nach den sozioökonomischen Umwälzungen, die die Stadt ab 1871 erschütterten, als sie zur Hauptstadt Italiens wurde. Die Ankunft der königlichen Familie, von Regierungsämtern, Botschaften, Kaufleuten und Kleinunternehmern stürzte die von alten und mächtigen Adelsfamilien dominierte Hierarchie und ebnete den Weg für einen weniger konservativen Adel und, was noch wichtiger ist, für ein städtisches Bürgertum mit neuen kulturellen Werten und Lebensstilen und Konsummuster. Diese neue soziale Klasse schuf eine besondere Nachfrage nach High-Fashion-Artikeln und Accessoires und zog die erfahrensten Kunsthandwerker an. Sie kamen aus anderen italienischen Städten und richteten ihre Werkstätten in der Hauptstadt ein oder eröffneten dort Filialen.

Die erste „Couturière“, die eine von Pariser Maßstäben unabhängige Mode kreierte, war kein Couturier im engeren Sinne, sondern eine Künstlerin: Maria Monaci Gallenga (1880-1944), die Kleidungsdesign als perfekte Synthese zwischen bildender Kunst und Malerei ansah. 1915 präsentierte sie ihre ersten Kreationen auf der Ausstellung Terza secessione Romana und auf der Panama-Pacific International Exposition in San Francisco, wo sie mit einem Grand Prix ausgezeichnet wurde. Von diesem Zeitpunkt an bis 1935 hatten Maria Gallengas Entwürfe in ganz Europa und den Vereinigten Staaten großen Erfolg und gipfelten 1925 in einem von der internationalen Jury verliehenen Grand Prix auf der Internationalen Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst in Paris. Mit ihren Bemühungen begann Rom erstmals, italienische Damenmode zu „exportieren“. Nachdem Frau Gallenga 1928 eine Niederlassung in Florenz eröffnet hatte, gründete sie in der Rue Miromesnil ein Haus in Paris, das bis 1934 aktiv war. Ihr Erfolg ermutigte andere Designer in den 1920er und 1930er Jahren, sich von Paris zu lösen, angetrieben durch das kulturelle und politische Klima von Paris die Ära.

Nach dem Zweiten Weltkrieg erlangte die römische Mode internationalen Erfolg. Die Krise der Pariser Haute Couture und ein größeres Bewusstsein für ihr Potenzial führten dazu, dass römische Couturiers sich endgültig von Paris lösten. Der amerikanische Markt trug maßgeblich zu diesem Erfolg bei. Tatsächlich wurde Rom mit dem Ende des Konflikts zu einem internationalen Touristenziel, insbesondere für wohlhabende amerikanische Frauen, die begannen, die Kreativität seiner Modehäuser zu entdecken und zu schätzen, die den Großteil ihrer Kundschaft bildeten.

Simonetta, eine Aristokratin aus der Familie Visconti di Cesarò, die 1946 eine Werkstatt eröffnete, war die erste römische Couturierin, die die Aufmerksamkeit des amerikanischen Marktes auf sich zog. Das moderne Design ihrer Kleidungsstücke und ihre Praktikabilität machten sie für die Massenproduktion geeignet und passten zu den Bekleidungslinien der Kaufhäuser auf der anderen Seite des Atlantiks. Infolgedessen wurden viele ihrer Entwürfe von den amerikanischen Geschäften Bergdorf Goodman und Marshall Field's gekauft und reproduziert.

Das hochkarätige Ereignis, das die römische Haute Couture ins Rampenlicht rückte, war die Hochzeit des amerikanischen Stars Tyrone Power mit der Schauspielerin Linda Christian, die am 27. Januar 1949 in Rom gefeiert wurde. Die Fotos des Paares wurden auf den Titelseiten großer europäischer und europäischer Zeitungen veröffentlicht Amerikanische Zeitschriften präsentierten das üppige Kleid der Braut, das vom Haus Sorelle Fontana entworfen wurde, und den Morgenanzug des Bräutigams, der von Domenico Caraceni entworfen wurde. An diesem Tag wurde die Welt Zeuge des Talents der römischen Couturiers und, was noch wichtiger ist, die römische Mode festigte ihre Beziehung zum Hollywood-Kino.

Tatsächlich begannen die riesigen, gut ausgestatteten Studios von Cinecittà (gegründet 1950) in den frühen 1937er Jahren, amerikanische Regisseure und Schauspieler zu beherbergen, die an Filmen arbeiteten, die von großen US-Studios, vor allem Metro Goldwyn Mayer, produziert wurden, was Rom den Spitznamen „Hollywood“ einbrachte am Tiber.“

Während Schauspieler die perfekte Schneiderkunst von Caraceni- und Brioni-Anzügen entdeckten, wurden Schauspielerinnen zu Stammkunden römischer Modehäuser. Fernanda Gattinoni entwarf Kleidung für Stars wie Ingrid Bergman und Lana Turner sowie für die amerikanische Botschafterin Clara Boothe Luce und Eva Peron.

Emilio Schubert entwarf für die Kaiserin von Persien, Soraya, und zahlreiche Schauspielerinnen, darunter den italienischen Star Sofia Loren.

Esther Williams war Schirmherrin der Werkstatt des jungen Roberto Capucci, der mit seiner „a scatola“-Linie mit skulpturalen und abstrakten Volumen 1958 den Mode-Oscar gewann, der vom Bostoner Kaufhaus Filene's verliehen wurde. Im folgenden Jahr ging der Preis an Irene Galitzine, die Schöpferin des berühmten Palazzo-Pyjamas – eine perfekte Mischung aus Modernität und Haute Couture, die Jaqueline Kennedy liebte.

Das Sorelle Fontana-Studio wurde von Stars und First Ladies wie Audrey Hepburn, Liz Taylor und Jaqueline Kennedy besucht, aber Ava Gardner war von deren Entwürfen besonders angetan und wählte Sorelle als Kostümbildnerin für die meisten Filme, in denen sie mitspielte.

Florenz und die Bestätigung der italienischen Mode 1951-1970

Die endgültige Einführung der italienischen Mode auf der internationalen Bühne erfolgte Anfang der 1950er Jahre dank der Modenschauen in Florenz, die Marquis Giovanni Battista Giorgini im Palazzo Pitti organisierte. Dieser entscheidende Moment war nicht das Ergebnis institutioneller Bemühungen, sondern vielmehr der Dynamik eines Einzelnen. Giorgini nutzte seine umfangreiche kaufmännische Erfahrung und ein umfangreiches Netzwerk an Kontakten und Beziehungen, das er bei der Verwaltung von Einkäufen für große amerikanische Kaufhäuser aufgebaut hatte. Er war der Erste, der die innovativen und attraktiven Elemente der italienischen Haute Couture erkannte und auf dem wichtigsten internationalen Markt der Nachkriegszeit, dem amerikanischen Markt, förderte.

In Florenz und der Toskana im weiteren Sinne gab es ein lebendiges Kunsthandwerk, ein mittelalterliches Erbe der Herstellungs- und Handelstraditionen. Mit ihrem Image als lebendiges Zeugnis der Kunst und Kultur der italienischen Renaissance war die Stadt ein wichtiger Anziehungspunkt für den internationalen Tourismus. Dank des Erfolgs und des internationalen Rufs lokaler Modeunternehmen und -häuser wie Salvatore Ferragamo (gegründet 1927), Guccio Gucci (gegründet 1921) und Emilio Pucci wurde Florenz mehrere Jahrzehnte lang zum Bezugspunkt für italienische Mode. Im Jahr 1947 erhielt Salvatore Ferragamo den Neiman Marcus Award, einen Mode-Oscar, der von einem der größten amerikanischen Kaufhäuser an Modedesigner und Fachleute verliehen wurde.

Der 12. Februar 1951, das Datum der ersten von Giorgini organisierten kollektiven italienischen Modenschau, gilt nicht nur als offizielles Geburtsdatum der italienischen Mode, sondern auch als Gründung des Labels „Made in Italy“, das die internationale Anerkennung des kreativen und handwerklichen Schaffens Italiens markiert Exzellenz. Die Modenschau fand im Anschluss an die Ereignisse in Paris in den Salons seiner Residenz in der Villa Torrigiani statt. Im Beisein von sechs der wichtigsten amerikanischen Käufer präsentierten dreizehn italienische Modehäuser ihre Entwürfe: neun Haute-Couture-Werkstätten aus Rom und Mailand sowie vier Boutique-Modehäuser.

Unter ihnen war Pucci, der einzige lokale Modeschöpfer. Die amerikanischen Gäste waren begeistert und die fünf anwesenden italienischen Journalisten sorgten für eine hohe Sichtbarkeit der Veranstaltung. Die endgültige Einweihung fand im Juli 1951 während der zweiten Ausgabe der Veranstaltung statt, bei der die Zahl der teilnehmenden italienischen Modehäuser von dreizehn auf fünfzehn und die Zahl der ausgestellten Modelle von 180 auf 700 stieg. Darüber hinaus stieg die Zahl der Käufer von sechs auf sprunghaft an auf über 300. Um ihnen gerecht zu werden, wurden die Shows an einen neuen Ort, das Grand Hotel, verlegt.

Giorgini hatte von der ersten Show an auf ein entscheidendes Merkmal gesetzt: die enge Verbindung zwischen italienischen Modekreationen und dem Erbe künstlerischer und handwerklicher Traditionen der Vergangenheit, für die nur die Stadt Florenz den idealen Rahmen bieten konnte. Daher vervollständigte der Umzug der Veranstaltung bei ihrer vierten Ausgabe im Juli 1952 in die Sala Bianca des Palazzo Pitti Giorginis Vision und etablierte Florenz als Hauptstadt der italienischen Mode und als perfektes Schaufenster für die neue Allianz zwischen Mode, Kunst und Tradition. Giorginis Inszenierung war mit seiner Einzigartigkeit der Schlüssel zum Erfolg runway Aufbau, die Organisation gesellschaftlicher Veranstaltungen neben den Shows und die Hervorhebung von Strickwaren, Boutique-Mode und Accessoires als echte Neuheiten im Vergleich zur französischen Haute Couture.

Allerdings hatte die Haute Couture ihre Zeit und ihr Niedergang war sowohl ein gesellschaftliches als auch ein Marktphänomen. Es entstand ein neues Modeparadigma, weniger elitär und weniger aristokratisch, in dem es nicht länger die oberen Ränge der Gesellschaft waren, die Modenormen diktierten und prägten; Stattdessen wurde die Verantwortung von Klassen mit bescheidenerem kulturellen und sozialen Status übernommen. Giorgini war sich dessen sehr bewusst und war besser als jeder andere in der Lage, den nachlassenden Glanz der Ereignisse mitzuerleben, sowohl was die Beteiligung der Modehäuser als auch die Einbeziehung von Käufern und der Presse angeht.

Trotz dieser Herausforderungen organisierte er weiterhin die Shows, stets im Zeichen der Innovation, mit den ersten Konfektionsmodellen (1956), Teenagerkleidung (1962) und Damenunterwäsche (1964). Er ermöglichte das Debüt neuer italienischer Modelabels wie Lancetti (1961) und Valentino (1962) für Haute Couture sowie Krizia und Mila Schön für die Kategorie „Boutique“. Doch 1965 beschloss Giorgini angesichts anhaltender Schwierigkeiten und Abwanderungen, zurückzutreten und die Kontrolle und Organisation der Veranstaltungen aufzugeben. Sein Rückzug markierte den Niedergang des Palazzo Pitti und insbesondere von Florenz auf der internationalen Bühne.

Der Rückzug einiger der bekanntesten Namen der nationalen Haute Couture und die zunehmende Fokussierung auf Boutique-Mode schwächten nach und nach das Ansehen und Image der Florentiner Shows und reduzierten sie auf ein bloßes „Rummelplatzfest“. Trotz der Ausweitung der Veranstaltungen im Palazzo Pitti, wo ab 1972 die erste Ausgabe von „Pitti Uomo“ stattfand, die Herrenbekleidung und Accessoires gewidmet war, gefolgt von „Pitti Bimbo“ im Jahr 1975, „Pitti Filati“ im Jahr 1977 und schließlich „Pitti Casual“ im Jahr 1978 für Freizeitsportbekleidung und „Pitti Casa“. In den 1970er Jahren verwandelte sich Florenz in ein Zentrum für Ausstellungen. Die Schließung der Sala Bianca im Jahr 1982 und das endgültige Ende der „Pitti Donna“-Veranstaltungen im Jahr 1984 etablierten Mailand unwiderruflich als neues Zentrum für Konfektionskleidung und italienischen Stil.

Mailand und Modedesign

Der Aufstieg Mailands zur internationalen Prêt-à-porter-Hauptstadt begann Mitte der 1970er Jahre, angetrieben von einer Gruppe junger Designer, die beschlossen, sich von den Messen in Florenz abzuwenden und ihre eigenen Kollektionen in Mailand zu präsentieren. Die internationale Presse nahm die Veranstaltung schnell auf, zumal sie mit dem XNUMX. Jahrestag der Geburt der italienischen Mode zusammenfiel.

Durch die Wahl Mailands entkamen Designer Florenz, das zum Symbol für Zwänge geworden war, die Kreativität und Geschäft erstickten. Weit entfernt vom Palazzo Pitti könnten sie ihre Käufer mit Bedacht auswählen, Kollektionen frei präsentieren, die größer sind als die auf den kollektiven Ausstellungen in Florenz festgelegte Grenze von zwanzig Modellen, und eine Inszenierung wählen, die ihre einzelnen Kollektionen am besten hervorhebt.

1981, nur wenige Jahre nach diesen zaghaften Anfängen, widmete Italiens führende Finanzzeitung zum ersten Mal einen Artikel den „aufwändigen Modenschauen, die die Aufmerksamkeit großer Käufer weltweit auf Mailand gelenkt haben“ und würdigte die Rolle der Stadt als Vorreiter bei der Erneuerung der italienischen Mode. Die Designer, die die lombardische Hauptstadt an die Spitze der internationalen Modebühne brachten, wurden in Zusammenarbeit mit großen Industrieunternehmen ausgebildet und lernten, Unternehmer und Manager der Kreativität zu werden.

Dolce & Gabbana: das Symbol italienischer Eleganz

Dolce & Gabbana wurde 1985 von Domenico Dolce und Stefano Gabbana gegründet und ist eine der größten italienischen Modemarken.

Dolce & Gabbana ist für seinen glamourösen und gewagten Stil bekannt und hat Prominente und Modebegeisterte auf der ganzen Welt in seinen Bann gezogen. Die erste Kollektion der Marke, die 1986 während der Mailänder Modewoche vorgestellt wurde, zeichnete sich durch Originalität aus. Die Designs von Dolce & Gabbana lassen sich von der italienischen Kultur inspirieren und zelebrieren traditionelle Motive wie Blumen, Früchte und Tiere. Dolce & Gabbana gehörte auch zu den ersten Modemarken, die soziale Netzwerke nutzten media um seine Sammlungen zu bewerben. Mit innovativem Social media Durch Kampagnen hat die Marke ein breiteres Publikum erreicht und einen treuen Kundenstamm aufgebaut. Heute ist Dolce & Gabbana weltweit tätig und bietet eine vielfältige Produktpalette an, die von Haute Couture und Lederwaren bis hin zu Accessoires und Düften reicht.

MODE & KULTUR IN ENGLAND

Klassische „englische Mode“ oder „britischer Stil“ gibt es seit dem 19. Jahrhundert. Der Designer William Morris, der Vater der Arts & Crafts-Bewegung, schuf einen ausgeprägten „englischen Stil“, der auch heute noch die klassische englische Mode prägt.

Die viktorianische Ära, die durch den Aufstieg von Alexandrina Victoria von Kent, der Tochter des Herzogs von Kent, gekennzeichnet war, markierte die Entstehung einer Monarchie, die moderner und im Einklang mit den Bestrebungen der Gesellschaft war als die ihres Onkels. Während seiner Herrschaft erlebte Großbritannien zahlreiche Fortschritte, insbesondere in Industrie, Wissenschaft und Technologie, stand jedoch nach der Herrschaft von Königin Victoria auch vor Herausforderungen, da das Britische Empire unter der Herrschaft von Georg IV. und Wilhelm IV. als Weltmacht verfiel. Königin Victoria hat mit ihren Vorlieben und ihrem Leben, die mit dieser bedeutenden Zeit verbunden sind, einen bleibenden Eindruck in der Geschichte hinterlassen.

Während der Regierungszeit von Königin Victoria, von ihrer Thronbesteigung im Jahr 1837 bis zu ihrem Tod Ende Januar 1901, erlebte Großbritannien Veränderungen in allen Bereichen, auch in den Nationen, die zu dieser Zeit britische Protektorate oder Kolonien waren und das Commonwealth bildeten. Das Reich erstreckte sich weit, mit Königin Victoria als Kaiserin von Indien, die von ihrem Thron aus die Meere beherrschte.

Viele Menschen assoziieren die viktorianische Zeit mit Romantik, Eleganz und einer vergangenen Ära, die die Unschuld einer Zeit vor dem immensen kulturellen Umbruch des 20. Jahrhunderts widerspiegelt.

Viktorianische Mode, inspiriert von Königin Victoria

Die Mode dieser Zeit wurde stark von Königin Victoria selbst beeinflusst. Ihre Majestät war während ihrer gesamten Regierungszeit als Stilikone bekannt und ihr persönlicher Stil wurde oft von Frauen in London nachgeahmt. Dies gab die Trends vor, die zu Beginn ihrer Regierungszeit zunächst heller und farbenfroher waren und während ihrer Trauerzeit strenger und gotischer wurden.

Frauen trugen Kleidungsstücke wie lange, figurbetonte Kleider mit Petticoats darunter, um einen voluminösen Effekt zu erzielen. Sie bevorzugten elegante Kleider, Korsetts und Stiefel. Charakteristisch für diese Zeit waren Knopfstiefel, Schlupfstiefel und Schnürstiefel.

In den 1840er und 1850er Jahren zeichneten sich Damenkleider durch schmale, hängende Schultern, zu einem nach unten gerichteten Dreieck geraffte Taillen und glockenförmige Röcke aus. Zur Unterwäsche gehörten ein Korsett, ein knöchellanger Rock und mehrere Lagen gerüschter Unterröcke. Um 1850 ging die Zahl der Petticoats zurück, da Krinolinen populär wurden und die Röcke immer größer wurden. Tageskleider hatten ein schlichtes Oberteil, während Abendkleider tief ausgeschnitten waren und die Schultern frei ließen. Diese Outfits wurden typischerweise durch einen Schal und Handschuhe ergänzt, die bis knapp über den Ellenbogen reichten.

In den 1860er Jahren wurden die Röcke vorne flacher und hinten abgerundet. Zur Tageskleidung gehörten oft Pagodenärmel und hohe Kragen, die mit frivoler Spitze verziert waren. Abendkleider mit tiefem Ausschnitt und kurzen Ärmeln wurden mit kurzen Handschuhen oder gehäkelten Fäustlingen getragen. Ab den 1870er-Jahren wurden die Kleider für den Innenbereich weniger strukturiert, bei informellen Anlässen wurden Korsetts abgelegt und Krinolinen wurden durch Rüschen ersetzt.

Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts wurden die Kleidungsstile einfacher: Rüschen und Krinolinen kamen aus der Mode und Kleider wurden weniger eng getragen. Korsetts blieben erhalten, wurden aber verlängert, was den Frauen eine leicht S-förmige Silhouette verlieh. Röcke nahmen eine Trompetenform an, schmiegten sich eng an die Hüften, wurden in der Taille gerafft und über dem Knie ausgestellt. Gleichzeitig erfreuten sich Bekleidungssortimente für den Sport zunehmender Beliebtheit und deckten Aktivitäten wie Radfahren, Tennis und Schwimmen ab.

Männer dieser Zeit trugen typischerweise dreiteilige Anzüge mit langen Jacken und taillierten Hosen. Vornehme Dandy-Kleidung wie Gehröcke und Zylinder oder Melone erfreute sich großer Beliebtheit. Auch Accessoires waren von entscheidender Bedeutung: Fliegen, Handschuhe und Schals verliehen jedem Outfit einen Hauch von Raffinesse.

Im Jahr 1807 begann sich die Massenproduktion von Kleidung in Fabriken und deren Verkauf in Geschäften zu Festpreisen zu beschleunigen. Das Nähen zu Hause war immer noch üblich, begann jedoch zurückzugehen. Neue Maschinen veränderten die Art und Weise, wie Kleidung hergestellt wurde.

Die Einführung der Nähmaschine Mitte des 19. Jahrhunderts, die einen Steppstich ermöglichte, vereinfachte die Herstellung von Kleidungsstücken sowohl zu Hause als auch in Geschäften. Dieser mechanische Fortschritt machte es einfacher, verschiedene komplizierte Dekorationen anzubringen, die von Hand nur schwer herzustellen waren. Spitzenherstellungsmaschinen reduzierten die Kosten für Spitze erheblich und machten sie beliebter.

Zu den neuen Materialien aus fernen Ländern des britischen Empire gehörte Gummi, aus dem Gummistiefel und Mackintosh-Mäntel hergestellt wurden. Chemiker entwickelten synthetische Farbstoffe, die leuchtender und haltbarer waren als natürliche.

Kappen

In den ersten Jahrzehnten des viktorianischen Zeitalters waren voluminöse Röcke, die von Reif-Unterkonstruktionen getragen wurden, das zentrale Element des Damenoutfits. Hüte, die die Silhouette ergänzen, ohne abzulenken, blieben sowohl in der Größe als auch im Aussehen bescheiden. Die „unsichtbare“ Haube, die in der späten Regentschaftszeit getragen wurde und deren kreisförmige Krempe die Glockenform der Röcke widerspiegelte, wurde schließlich so lang, dass sie das Gesicht des Trägers verdeckte.

Im Jahr 1870, als die Silhouetten schlanker wurden, schrumpften die Hüte und saßen nach vorne auf der Stirn. Die Frisuren wurden komplizierter, gelockte Haarteile verliehen dem Naturhaar mehr Volumen.

Gegen Ende der Periode ähnelte die modische Silhouette einem aufrechten Dreieck, und breitkrempige Hüte kamen in Mode. Diese Hüte waren üppig mit Seidenblumenarrangements, Bändern und exotischen Federn verziert, von denen die begehrtesten von Vögeln stammten, die in den Everglades Floridas fast ausgerottet waren.

Steampunk – die Fantasy-Version des viktorianischen Zeitalters

Das viktorianische Zeitalter, geprägt von fortschrittlichen Technologien wie der Eisenbahn, ist eine bevorzugte Zeit für die Steampunk-Bewegung. Dampfmaschinen, Zahnräder und alle Arten von Mechanismen sind zentrale Themen ... Moderne Erfindungen und Technologien werden neu interpretiert, was die Essenz von Steampunk ausmacht.

Schmuck wurde während der Regierungszeit von Königin Victoria oft von Hand gefertigt

In Großbritannien wurden häufig Kunsthandwerker für die Herstellung von Broschen, Ringen und Halsketten gesucht, die oft als Geschenke in Auftrag gegeben wurden und ein hohes Maß an handwerklichem Können widerspiegeln. Andererseits wurden einige Schmuckstücke auch in Fabriken hergestellt, wobei grundlegende Techniken unter der Aufsicht eines erfahrenen Juweliers zum Einsatz kamen und das Proletariat als Arbeitskräfte für die Produktion diente.

Schmuck aus der viktorianischen Zeit war oft reich verziert und mit zahlreichen Edelsteinen und komplizierten Fassungen versehen. Auch Trauerschmuck war im viktorianischen Zeitalter in Mode, darunter Cameo-Stücke und Schmuck aus Menschen- oder Tierhaaren. Weniger wohlhabende Viktorianer verwendeten billigere Materialien wie Glas und Perlmutt, dennoch blieben diese Stücke elegant und dekorativ.

Der Stil des viktorianischen Schmucks ist recht charakteristisch und zeichnet sich durch die Verwendung von Gagat, Diamanten und Korallen aus. Es ist meist schwer und reich verziert und vermittelt den Eindruck von Reichtum und Luxus. Während der viktorianische Stil für das moderne Auge etwas veraltet erscheinen mag, ist er nach wie vor sehr beliebt, da viele Unternehmen Reproduktionsschmuck anbieten, der von echten viktorianischen Stücken inspiriert ist.

Benannt nach Königin Victoria, die im 19. Jahrhundert regierte, ist die viktorianische Mode für ihre langen Röcke, aufwendigen Spitzen und hochgeschlossenen Mieder bekannt. Auch wenn das Kreieren eines viktorianisch inspirierten Outfits arbeitsintensiv erscheinen mag, ist das Ergebnis wirklich lohnenswert. Das Hinzufügen einiger mechanischer Elemente oder die Kombination mit Accessoires wie einem Zylinder kann einen auffälligen Eindruck hinterlassen.

Viktorianische Stiefel

Vor allem bei Frauen erfreuten sich viktorianische Schnürstiefel großer Beliebtheit, deren einzigartiger Stil auch heute noch geschätzt wird. Authentische Reproduktionen werden oft aus den gleichen Materialien wie die originalen viktorianischen Schnürstiefel hergestellt und sind aus verschiedenen Quellen erhältlich. Manche Menschen bevorzugen aus Kostengründen oder persönlichen Vorlieben möglicherweise Stiefel aus synthetischen Materialien gegenüber Leder.

Viktorianische Damenstiefel gibt es in zwei Hauptstilen.

Sie sind sowohl in niedrigen als auch in hohen Schnitten mit verschiedenen Farben wie Grün, Rot und Weiß erhältlich, wobei Schwarz und Braun nach wie vor die gängigste Wahl sind. Die Schnürsenkel verlaufen normalerweise an der Vorderseite des Schuhs, vom Fuß bis zur Oberseite des Stiefels, und die Absätze sind normalerweise zwischen 2 und 3 Zoll hoch und haben eine Sanduhrform. Das markanteste Merkmal viktorianischer Schnürstiefel für Damen ist ihre sehr spitze und schmale Spitze, die möglicherweise den Kauf einer Größe größer als üblich erfordert, um sicherzustellen, dass die Zehen nicht zu stark komprimiert werden.

Dieser Trend wird uns großartige Designer wie Vivienne Westwood und John Galliano vorstellen.

FAZIT

Die großen Modewochen in London, Mailand und Paris zeigen jeweils ihre Kreativität und spiegeln ihre reichen Geschichten und Reisen wider. In jeder Stadt gibt es Designer, die sich von der Geschichte der Mode und ihren persönlichen Geschichten inspirieren lassen – ein aufrichtiger Ansatz, aber ist das heute noch so? Es ist ungewiss.

Wir müssen uns darüber im Klaren sein, dass Begehrlichkeit nicht nur eine Marketingtaktik ist. Wenn dies der Fall ist, kann es sein, dass die betreffende Marke oder das Modehaus auf lange Sicht nicht bestehen bleibt.

Mode soll Träume inspirieren und weiterhin ein gesellschaftliches Phänomen bleiben.

Vergessen wir nicht, dass Mode der glamouröseste Botschafter ist!